LA MATASSA. Regia: Giambattista Avellino, Salvatore Ficarra, Valentino PiconeSceneggiatura: Giambattista Avellino, Francesco Bruni, Salvatore Ficarra, Valentino PiconeAttori: Salvatore Ficarra, Valentino Picone, Mario Pupella, Anna Safroncik, Mariella Lo Giudice, Giovanni Martorana, Filippo Luna, Maria Di Biase, Pino Caruso, Domenico Centamore
Ruoli ed Interpreti Fotografia: Roberto ForzaMontaggio: Claudio Di MauroMusiche: Paolo BuonvinoProduzione: Attilio De Razza per TRAMP LTD in collaborazione con Medusa film e SKYDistribuzione: Medusa FilmPaese: Italia 2009Uscita Cinema: 13/03/2009Genere: Comico, CommediaDurata: 98 MinFormato: Colore 35MM

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Questa è la storia di una lite, anzi della lite. Quella lite, simile a tante altre che già erano state, ma che allontanò per sempre due fratelli, e le loro famiglie. Due fratelli che avevano sempre vissuto da fratelli, condividendo gioie e dolori, superando insieme le difficoltà della vita e dei loro caratteri, con amore. Lo stesso affetto che avevano trasferito ai loro figli, i due cugini, (Ficarra e Picone), cresciuti per tanti anni come fratelli. Così diversi tra loro: prepotente e carnefice il primo (Ficarra), remissivo e vittima il secondo (Picone). Poi, d'improvviso, quella lite li allontanò, rendendoli non più fratelli, se non nei loro ricordi di quel meraviglioso periodo della vita, che è l'adolescenza. Oggi, al momento della nostra storia, i nostri eroi sono due trentenni che conducono due vite profondamente diverse che il destino farà ritrovare...

Il Messaggero. ROMA (6 marzo 2009) - Hanno alle spalle due film di successo (Nati stanchi ha incassato un miliardo e mezzo di lire, Il 7 e l’8 più di dieci milioni di euro) e sono riusciti ad abbattere altrettanti luoghi comuni: quello secondo il quale un’opera che ha successo al botteghino non può piacere anche alla critica e quello secondo cui i comici, se tentano la strada del grande schermo, falliscono inesorabilmente. Oggi Ficarra e Picone puntano ancora più in alto e, con il loro ultimo film, La Matassa, si prendono il lusso di sbeffeggiare la mafia. Il risultato è una commedia ricca (dall’attenzione ai piccoli ruoli alla notevole fotografia), diretta a sei mani dai due comici palermitani assieme a Giambattista Avellino e prodotta da Attilio De Razza in collaborazione con Medusa e Sky, nei cinema con Medusa dal 13 marzo in 500 copie. «La verità - raccontano Ficarra e Picone - è che ci è sempre piaciuto capovolgere le situazioni: per questo abbiamo dipinto personaggi come il mafioso che non riesce ad imporsi neanche a casa sua. Qualcuno si indigna quando si ironizza su una faccenda grave e tragica come la mafia, ma, secondo noi, il silenzio è peggio. Ricordiamo che anche Chaplin ha scherzato sul nazismo. Quanto a noi, siamo abituati a irridere i potenti, lo facciamo spesso a Striscia la notizia (ci torneranno il 30 marzo, ndr)».

Nel film, la matassa da sbrogliare è quella di una lite fra due fratelli, che viene poi “ereditata” dai rispettivi figli, che da bambini erano inseparabili. Il tutto, fra avventure, pizzi e pizzini di mafia, sullo sfondo di Catania: per questo all’anteprima di ieri, Pippo Baudo ha voluto accompagnare i comici e godersi in prima fila il film sulla sua città. Del resto, a parte Anna Safroncik (che interpreta la socia in affari di Ficarra), il cast pullula di isolani: Pino Caruso (il sacerdote amico), Tuccio Musumeci, Domenico Centamore, Mario Pupella e Giovanni Martorana. Per non parlare di Claudio Gioè, che per la tv è stato addirittura Totò Riina.

I comici qui interpretano due cugini, i figli di quei due fratelli che avevano litigato. Salvo Ficarra è il tipo che si crede più furbo degli altri, per questo ha aperto una sottospecie di agenzia “matrimoniale”, che procura permessi di soggiorno agli extracomunitari, mentre Valentino Picone è il timido e ipocondriaco proprietario dell’hotel di famiglia, pieno di debiti e soggetto a ruberie come se piovesse. «Abbiamo scelto di raccontare una lite in famiglia - affermano i comici - perché è veramente un tema universale e trasversale: diciamo la verità, succede a tutti. Noi siciliani, poi, litighiamo in un modo speciale: in silenzio. Se sono offeso con uno - sottolinea Picone - è lui che deve accorgersene da solo: già sono arrabbiato, vi pare che glielo devo pure dire?».

LA TERRA TREMA. Regia: Luchino Visconti Sceneggiatura: Luchino Visconti Fotografia: G. R. Aldo Musica: Luchino Visconti, Willy Ferrero Montaggio: Mario Serandrei (Italia, 1948) Durata: 160' Prodotto da: Salvo D'Angelo PERSONAGGI E INTERPRETI 'Ntoni: Antonio Arcidiacono Cola: Giuseppe Arcidiacono
Il nonno: Giovanni Greco Mara: Nelluccia Giammona Lucia: Agnese Giammona

Quando si parla di cinema nello Jonio, e soprattutto di Verga, è impossibile da dimenticare l'incontro tra lo scrittore e il regista Luchino Visconti.

Le bellezze paesaggistiche siciliane hanno ospitato vari set cinematografici, a partire dalla cittadina di Aci Trezza - che nel 1948 ospitò Luchino Visconti ed il suo gruppo di lavoro per la realizzazione de "La terra trema".

La città dei faraglioni collaborò non solo come teatro della rappresentazione con chiari contorni urbani e con le sue bellezze, ma anche con alcuni dei suoi abitanti, circa una trentina, che furono coinvolti nel film come attori, i cui nomi non furono però citati nei titoli di coda ma che comunque restarono nella memoria cittadina e che sognarono spesso un rifacimento del film.

Il regista Luchino Visconti, ispirato dall'attenzione sociale con la quale lo scrittore Giovanni Verga aveva trattato nel romanzo "I Malavoglia" i problemi dei poveri pescatori, ideò una trilogia di film sulla condizione dei lavoratori siciliani nel difficile periodo economico che seguì alla seconda guerra mondiale.

Il primo film doveva riguardare la vita dei pescatori, il secondo quella dei braccianti agricoli e il terzo quella dei minatori. Visconti, però, realizzò soltanto il primo, "La terra trema".

I tre film erano stati ideati originariamente come documentari per aiutare la campagna propagandistica del Partito comunista italiano in vista delle elezioni politiche del 18 aprile 1948.

Nell'estate del 1947 il regista Visconti compì un sopralluogo in varie località della Sicilia e quindi, per ambientare il primo dei tre documentari, quello riguardante le condizioni di lavoro dei pescatori, scelse Acitrezza, lo stesso paese nel quale Verga aveva localizzato il romanzo "I Malavoglia".

Il film, girato in bianco e nero, con una rigida interpretazione dei canoni del neorealismo, venne interpretato esclusivamente da attori non professionisti, tutti pescatori o abitanti di Acitrezza, che parlavano, in presa fonica diretta, il dialetto locale.

Come assistenti alla regia Visconti scelse due giovani, Francesco Rosi e Franco Zeffirelli, che sarebbero diventati entrambi registi di grande successo. Rosi era incaricato di tenere il "diario di lavorazione", mentre Zeffirelli aveva la responsabilità delle comparse, dei costumi e della scelta degli ambienti.

Le riprese cominciarono nell'autunno del 1947. Non c'era una sceneggiatura: gli attori recitavano dialoghi che venivano scritti poco prima che cominciassero le riprese della giornata e che gli assistenti alla regia facevano "tradurre" lì per lì in dialetto siciliano.

Il Partito comunista aveva stanziato per l'operazione la somma di 30 milioni di lire che però, dopo appena poche settimane di riprese, si dimostrò assolutamente insufficiente.

Visconti allora, sospesa la lavorazione del film, si recò a Roma dove, per procurarsi il denaro necessario per la prosecuzione, vendette alcuni gioielli di famiglia e, per ultimare la pellicola, si procurò un finanziamento integrativo del produttore Salvo D'Angelo della casa di produzione "Universalia Film".

A questo punto, Visconti, ormai svincolato dal rapporto finanziario con il Partito comunista, modificò il proprio progetto: il film abbandonò lo stile del documentario e cominciò a diventare una specie di trasposizione cinematografica del romanzo "I Malavoglia" di Verga. Visconti, però, in aderenza alla propria ideologia personale marxista, apportò una modifica fondamentale: mentre l'opera dello scrittore è un ritratto corale "senza speranza" soffuso di pietà e di rassegnazione, il film fa intravedere una possibilità di riscatto attraverso la "rivoluzione" contro i soprusi sociali.

L'opera venne presentata alla Mostra Cinematografica di Venezia del 1948 dove suscitò molti consensi da parte dei critici; il massimo premio della manifestazione, il "Leone d'oro", però, venne assegnato al film britannico "Amleto" di Laurence Olivier. Al film di Visconti venne attribuito un premio "per i suoi valori stilistici e corali".

Il film, della durata di 157', distribuito nelle sale cinematografiche, non ebbe molto successo commerciale, in gran parte per l' incomprensibilità del dialetto "stretto" che parlavano gli interpreti. Ne venne fatta quindi una seconda versione, più breve (dalla durata complessiva di 105') e con una nuova colonna sonora nella quale gli interpreti erano "doppiati" con un dialetto siciliano "italianizzato", più comprensibile.

La pellicola, indicata dalla critica come uno dei documenti più significativi della corrente cinematografica del neorealismo, è stata recentemente restaurata.

A distanza di mezzo secolo dalla realizzazione del film, Acitrezza ha dedicato a Luchino Visconti una delle piazze del paese, accanto a quella intitolata a Verga.

La trama - Il giovane 'Ntoni Valastro incita gli altri pescatori di Acitrezza a ribellarsi ai soprusi dei grossisti di pesce. Dalle proteste nasce un tumulto e i pescatori vengono arrestati; ma poi gli stessi grossisti li fanno rilasciare non potendo fare a meno della loro manodopera.

'Ntoni convince i propri familiari a mettersi in proprio, ipotecando la casa per far fronte alle spese. Un'eccezionale pesca di acciughe, che vengono "salate", sembra inizialmente favorire l'iniziativa, ma una tempesta fa naufragare la barca. La famiglia Valastro, così, è costretta a vendere le acciughe salate ai grossisti ad un prezzo irrisorio e, non potendo pagare l'ipoteca, perde anche la casa.

Il dissesto economico fa disgregare la famiglia. 'Ntoni, non potendo trovare lavoro, si abbrutisce all'osteria e viene abbandonato dalla fidanzata. Suo fratello Cola si fa abbindolare da alcuni contrabbandieri e si associa ad essi. Il nonno muore. La sorella di 'Ntoni, Mara, afflitta dalla situazione nella quale versa la famiglia, si ritiene ormai indegna del fidanzato, il muratore Nicola, e scioglie il fidanzamento. La sorella minore, Lucia, si lascia irretire dalle lusinghe del maresciallo del paese ed è ridotta alla condizione di "donna disonorata", particolarmente pesante nella Sicilia dell'epoca.

Alla fine, 'Ntoni si rassegna e piega la testa: va a chiedere lavoro, assieme ai fratelli più piccoli, ai grossisti. Ma, sebbene "vinto", appare consapevole che in futuro la lotta comune con gli altri pescatori riuscirà a sconfiggere i soprusi dei grossisti. - fonti: www.sicilycinema.it/ e  www.acitrezza.it

IL BELL'ANTONIO

Produzione Italia Anno 1959 b/n Regia  Mauro Bolognini - Interpreti Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale,  Pierre Brasseur,  Rina Morelli
Il 1960 è l’anno de La dolce vita di Fellini, ma anche di film come L’avventura e La notte, di Michelangelo Antonioni. In quest’anno d’oro del cinema italiano uscì anche un film, sempre con protagonista Mastroianni, nel suo anno di grazia, che portava sullo schermo un romanzo dello scrittore siciliano Vitaliano Brancati, pubblicato nel 1949, che raccontava una storia ambientata negli anni Trenta, quindi in piena “era fascista”. Del romanzo, Bolognini e Pasolini (qui alla sceneggiatura) estirparono un po’ di implicazioni politico-sociali, per concentrarsi di più sulla figura del personaggio principale, caricandolo di una certa malinconia molto in linea con quel “cinema del disagio” di cui Mastroianni fu, in quegli anni, una vera e propria icona. Il film è la storia di Antonio (Mastroianni) che, dopo tre anni a Roma, ritorna nella sua Catania dove il padre gli ha organizzato il matrimonio con la bella Barbara (Claudia Cardinale). All’inizio Antonio, che vanta una fama di dongiovanni, confermata dagli sguardi maliziosi che gli rivolgono tutte le donne che incontra, è scettico sul matrimonio. Ma quando il cugino Edoardo (un irriconoscibile Tomas Milian) gli mostra la foto della ragazza, Antonio ne rimane fulminato, innamorandosene perdutamente. Celebrato così il matrimonio, però, si svela un problema di impotenza del protagonista, con la moglie che, dopo un anno, chiederà l’annullamento del matrimonio stesso. Questo scandalo sconvolgerà la quiete della famiglia di Antonio, fino a travolgere l’orgoglioso padre, che rimarrà vittima della sua smania di mostrare al mondo il suo immutato vigore maschile. Il bell’Antonio scava dentro le macerie di una famiglia italiana ormai in decomposizione sociale e in un mondo/città chiuso e provinciale, dove la sessualità e il matrimonio sono ancora dei vincoli ben definiti e la virilità maschile ha bisogno di continue conferme sociali. In questo ambito può pertanto liberamente sfogarsi tutta la rabbia accumulata - con le frustrazioni subite in Friuli - da Pier Paolo Pasolini, che di quei vecchi costumi sociali fu uno dei più grandi castigatori. Il film di Bolognini, delicato e quasi “in punta di piedi”, sceglie di non urlare questa rabbia, ma di rappresentare questo ‘piccolo mondo”, tutto chiuso in un universo familiare oppressivo e autoreferenziale. In questo contesto emergono le straordinarie interpretazioni di Rina Morelli e Pierre Brasseur nei panni dei genitori di Antonio, mentre Mastroianni può candidamente esibire la sua ambiguità senza timore di perdere quel suo fascino proverbiale. Il DVD ci presenta il film in una splendida versione restaurata, mostrandoci negli extra come era ridotta la pellicola prima di questo intervento. Materiali sulle riprese del film, un lungo trailer-presentazione e una ricca galleria fotografica completano un pacchetto di contenuti speciali più che discreto, per un film “antico” nei contenuti quanto “moderno” nello stile.

 

I VICERE'

 ANNO: Italia 2007 GENERE: Drammatico - Storico REGIA: Roberto Faenza

CAST: Alessandro Preziosi, Lando Buzzanca, Cristiana Capotondi, Guido Caprino, Assumpta Serna, Sebastiano Lo Monaco, Giselda Volodi, Paolo Calabresi, Biagio Pelligra, Giovanna Bozzolo, Pep Cruz, Vito, Jorge Calvo, Anna Marcello, Katia Pietrobelli, Larissa Volpentesta, Danilo Maria Valli, Magdalena Grochowska, Daniela Terreri, Giulia Ferrario, Pino Calabrese, Giorgia Biferali,

Cast: Consalvo: Alessandro Preziosi Principe Giacomo: Lando Buzzanca Principessa Teresa: Cristiana Capotondi Giovannino: Guido Caprino Duchessa Radalì: Assumpta Serna Don Gaspare: Sebastiano Lo Monaco Lucrezia: Giselda Volodi Benedetto Giulente: Paolo Calabresi Baldassarre: Biagio Pelligra Graziella: Giovanna Bozzolo Don Blasco: Pep Cruz Fra’ Carmelo: Vito Michele Radalì: Jorge Calvo Chiara: Anna Marcello Donna Margherita: Katia Pietrobelli Concetta: Larissa Volpentesta Federico: Danilo Maria Valli Donna Isabella: Magdalena Grochowska Lucia la sigaraia: Daniela Terreri Contessa Matilde: Giulia Ferrario
Conte Raimondo: Franco Branciaroli Donna Ferdinanda: Lucia Bosè

I Vicerè è un film che vede protagonista, nella sua magnificenza, la Catania del Vaccarini, con le sue strade, le sue piazze, i suoi monumenti (via Dei Crociferi, Piazza Duomo, Palazzo Biscari, il Monastero dei Benedettini…) luoghi e architetture, che per la loro bellezza, il loro fascino e la loro spettacolarità fanno già parte di un immaginario cinematografico, ancor di più esaltato dalle immagini suggestive del film di Roberto Faenza. Tratto da "I Vicerè" di Federico De Roberto scritto nel 1894, capolavoro della letteratura italiana di fine Ottocento, tuttavia di sbalorditiva modernità e attualità, è il secondo volume (il primo è "L'Illusione" del 1891, e il terzo "L'Imperio" del 1929, uscito postumo) in cui lo scrittore racconta l'epopea d'una potente dinastia, un'antica famiglia catanese d'origine spagnola, gli Uzeda di Francalanza, nell'Italia del Risorgimento e dell'unificazione. È il cuore della città barocca a pulsare per l’epopea della terribile dinastia, fatta di egoismi, lotte, liti, miserie, sopraffazioni, raccontata dal regista con ricche scenografie, in interni e in esterni, che trovano nella città etnea ideali ambientazioni cinematografiche. La trasposizione sullo schermo de "I Vicerè" di De Roberto, è un capitolo fondamentale per il cinema siciliano e internazionale, che arriva certamente in ritardo per la complessità dei fattori produttivi che affliggono il cinema italiano, ma coraggiosamente affrontati da Faenza e dalla casa di produzione "Jean Vigo" di Elda Ferri. Si tratta di un progetto di grande spessore culturale che coniuga sapientemente la suggestione dei luoghi, con il cinema di qualità e la letteratura siciliana. Con il suo nuovo film Roberto Faenza, regista da sempre incline tanto a dar corpo a un cinema d’impegno civile di spessore artistico quanto a tradurre per il grande schermo pagine intense di autori italiani, coniuga felicemente queste due “anime” della sua poetica, innestandole nel cuore della cultura siciliana, attualizzando con le sue immagini il messaggio straordinariamente moderno del capolavoro letterario di De Roberto.
l racconto comincia a metà del ‘800, negli ultimi anni della dominazione borbonica in Sicilia, alla vigilia della nascita dello Stato Italiano. Le esequie della principessa Teresa sono l'occasione per presentare i personaggi della famiglia Uzeda, discendenti dei Viceré di Spagna. Lo spettatore è subito introdotto in un mondo di fasto, di splendore, ma anche di prepotenza e di miseria. Attraverso gli occhi di un ragazzino, Consalvo, l'ultimo erede degli Uzeda, si svelano i misteri, gli intrighi, le complesse personalità degli appartenenti alla famiglia, tutti dominati da grandi ossessioni e passioni. La storia di Consalvo avanza in un percorso di formazione: dopo una sconcertante esperienza in un convento benedettino, si affaccia a una giovinezza scapestrata, da ribelle, simile nello spirito a quella di tanti giovani d'oggi. Presto, comprende di dover cambiare, di dover diventare uomo. Comincia a studiare, a viaggiare, a imparare. Contro il volere del padre, compie una scelta estrema. Il tragitto di Consalvo ha una forte attinenza con il nostro presente. Dal mondo che lo circonda, fatto di compromessi e corruzione, Consalvo coglie una profonda lezione di vita e alla fine sceglie di impossessarsi del potere per non lasciarsi sopraffare da quello stesso mondo.

STORIA DI UNA CAPINERA

Un film di Franco Zeffirelli. Con Valentina Cortese, John Castle, Vanessa Redgrave, Frank Finlay, Sinéad Cusack, Angela Marie Bettis, Jonathon Schaech, Camillo Pilotto, Mario Ferrari, Claudio Gora, Amalia Pellegrini, Maria Jacobini, Marina Berti, Teresa Mariani, Pat Heywood, Barbara Livi, Angela Bettis, Oreste Fares. Genere Drammatico, colore 99 minuti. - Produzione Italia 1993.

Catania. Maria, giovane figlia di un vedovo che si era risposato, all’età di sette anni, poco dopo la morte della madre, è destinata al convento, non in seguito al manifestarsi di una sua vocazione alla vita monacale, ma per un’irrevocabile decisione familiare. Nella nuova famiglia, composta dalla matrigna e dai due fratellastri Gigi e Giuditta, non c’è più posto per lei: il convento è la sola via d’uscita possibile ai mali della società di quel tempo. Ha quasi 20 anni Maria quando nel 1854 a Catania scoppia l’epidemia di colera ed è costretta quindi a far ritorno a casa, trasferendosi con tutti i familiari nella tenuta di campagna a Monte Ilice.
La storia prende avvio proprio da questo momento, quando, come farà quotidianamente, scrive una lettera alla compagna di noviziato, l’amica del cuore Marianna. In queste lettere Maria parla di sé, della sua famiglia, della vita che conduce in campagna e soprattutto dell’amore pudicamente vissuto per Nino, figlio dei loro vicini, la famiglia Valentini. L’amore di Maria, vissuto come gioia e turbamento dapprima, si trasforma poi in passione, gelosia, ossessione, in un percorso che presto la conduce alla follia. Nino viene dato in sposo alla sorellastra Giuditta proprio mentre Maria è costretta far ritorno in convento, per prendere i voti, dalla matrigna, accortasi dei forti sentimenti fra i due giovani.
Straziata e sfinita dal dolore per l’impossibilità d’amare, anche se ricambiata da Nino, Maria muore nella cella sotterranea del convento destinata alle mentecatte, proprio come quella capinera rinchiusa dal suo padroncino in una gabbia, privata della sua libertà, dei suoi istinti naturali.
è il primo romanzo di Verga che conobbe un incontrastato successo di pubblico, successo destinato a rimanere duraturo. Scritto nell’estate del 1869 mentre si trovava a Firenze, per interessamento di Francesco Dall’Ongaro venne pubblicato dapprima, nel 1870, sulla rivista La ricamatrice, edita dall’editore milanese Lampugnani, e poi, nel 1871, in volume sempre dallo stesso editore: il romanzo era introdotto da una lettera-prefazione che Dall’Ongaro indirizzava a Caterina Percoto. Due anni dopo venne ripreso da un editore importante come il Treves che lo ripubblicò senza l’introduzione di Dell’Ongaro.
Appartiene al periodo dei cosiddetti romanzi giovanili, cittadini e mondani, anche se si differenzia da questo quadro per più di un motivo. Innanzitutto per l’ambientazione in campagna rispetto alla città, inoltre l’amore impossibile per Nino che porta Maria a poco a poco alla follia è esasperato e drammatizzato in eccesso, elemento nuovo ed inquietante in confronto alla melodrammaticità di altri suoi personaggi femminili. Il taglio epistolare del romanzo garantisce linearità alla narrazione derivante da un punto di vista unico ed unitario, quello del personaggio che scrive le lettere e a cui il narratore lascia libero tutto il campo poiché si isola dietro l’artificio della storia sentita raccontare da una terza persona e da lui riportata. La vicenda pare denunciare l’intenzione di sfruttare la struttura sensibile di una sentita polemica sociale sull'ingiustizia della condizione femminile dell’epoca, privata della sua libertà di decidere del proprio destino, assoggettata a uno stato di inferiorità.
Il linguaggio di Maria è dominato da una certa enfasi sentimentale, è lezioso nel patetico, ridondante nell’uso stucchevole dei diminuitivi. Maria non si presenta ancora come personaggio narrativamente vero, però si configura agli occhi dei lettori con una certa credibilità: al di là degli eccessi enfatici, lo svolgersi del suo dramma umano finisce per risultare plausibile e psicologicamente motivato.
La “capinera”: un nuovo personaggio che va a inserirsi in quella galleria dei vinti ai quali Verga concede la possibilità di morire, non quella di avere fede. La loro sofferenza non trova conforto nella religione, come ci testimonia la tragica storia di Maria: chi può restare più vinto della giovane novizia che paga con la vita il suo desiderio irrealizzato di amore?

Regia: Pietro Germi anno: 1962 Nazione: Italia Produzione: Lux Film Durata: 120' Genere: commedia CAST Daniela Rocca Marcello Mastroianni Leopoldo Trieste Stefania Sandrelli Lando Buzzanca

Nella rovente terra di Sicilia, il barone Fefè Cefalù (Marcello Mastroianni), arde d'amore, riamato, per la cugina sedicenne (Stefania Sandrelli), cui potrebbe essere padre. Peccato però, che egli, oltre ad essere, per cause paterne, quasi totalmente in rovina, sia anche maritato da dodici lunghissimi anni con una fedele, amorevole e sottomessa femmina, non solo tutt'altro che bella, ma in grado di raffreddare, come dire, qualsiasi slancio amoroso ed affettivo del marito, che, chissà perché, "se la pigliò".
Come uscire da questa situazione di sofferenza sentimentale, in un profondo sud che parla solo, tra uomini, di femmine altrui, ma in cui il progresso culturale e l'emancipazione del costume stentano ancora, per così dire, a far breccia ? Come, in uno stato egoista, che, all'epoca, ancora non contemplava il divorzio ? Serve un "divorzio all'italiana", appunto, appellandosi al famoso ed a quel tempo non ancora abrogato art. 587 del Codice Penale, che magistralmente esprimeva il concetto secondo cui in certe occasioni "ammazzare la moglie non è reato". Infatti, contemplando il cosiddetto "delitto d'onore", permetteva all'uomo, inequivocabilmente reso cocu dalla consorte, di sopprimerla, scontando una pena pressoché simbolica.
Perfetto. Non resta allora, al nostro barone, febbricitante di passione, che scovare un povero cristo da mettere sapientemente accanto alla moglie, fedelissima, ma in realtà anch'essa (e come potrebbe essere altrimenti, in fondo ?) insoddisfatta sposa, ed aspettare che gli eventi maturino…

Graffiante, grottesco, di ironica denuncia; sapido, intelligente, senza pause; monotematico (art. 587 C. P.), eppure poliedrico, artistico, spassoso; un piccolo capolavoro. Ecco quel che ci viene in mente, a tutta prima, riguardo quest'opera del regista Pietro Germi, che mette alla berlina tutta l'ipocrisia, l'egoismo, il maschilismo becero e moralmente inaccettabile di un periodo che oggi pare tanto lontano, ma che in realtà è appena dietro l'angolo. Mattatore assoluto e perfettamente plausibile, tra i suoi rovelli, benché in una parte risibile e buffonesca, un Mastroianni dai mitici baffi, io narrante per gran parte della pellicola. Bella prova per la giovane Sandrelli (doppiata). Assolutamente irresistibili certi passaggi del film, come quello in cui il barone, ormai pubblicamente tradito, scorre la posta, custodendo gelosamente per il futuro processo le missive anonime con scritto "cornuto", e stracciando con disgusto le lettere di solidarietà pervenute. Perfino il finale, anzi finalissimo, regala tanto, assecondando il motto latino "in cauda venenum".
Ispirate e bellissime le musiche di Carlo Rustichelli, girato in parte a Catania. Premio Oscar per la sceneggiatura originale, premiato a Cannes come miglior commedia.

 

 

PAOLO IL CALDO

Un film di Marco Vicario. Con Giancarlo Giannini, Adriana Asti, Riccardo Cucciolla, Rossana Podestà, Vittorio Caprioli, Ornella Muti, Gastone Moschin, Marianne Comtell, Mario Pisu, Attilio Dottesio, Andrea Aureli, Oreste Lionello, Bruno Scipioni, Umberto D'Orsi, Lionel Stander, Ugo Fangareggi, Femi Benussi, Eugene Walter, Pilar Velasquez, Angela Covello, Anna Melita, Roberta Paladini, Barbara Bach, Orchidea De Santis. Genere Commedia, colore 124 minuti. - Produzione Italia 1973.

Cresciuto in una famiglia in cui, da sempre, tra i maschi si perpetua la tradizione di arroganza e gallismo, da cui si è astenuto solo suo padre, uomo di idee socialiste, il giovane barone catanese Paolo Castorini , compiuti i venti anni, mostra di voler seguire l'esempio del nonno e dello zio, dongiovanni impenitenti. Sconvolto dal suicidio di suo padre, e dalle sue ultime parole, egli decide, per uscire dal cerchio in cui è imprigionato, di trasferirsi a Roma, dove si trova lo scrittore Vincenzo Torrisi, suo amico e compagno di bagordi. Nella capitale, riprende la vita di sempre, avviando una serie di avventure con la spregiudicata Lilia, con una principessa, una sartina, una militante comunista. Tornato a Catania per la morte della madre, decide di sposare la graziosa ed ingenua nipote di un farmacista. La moglie, conscia di non riuscire ad essere la donna che vuole, lo abbandona. Solo e disperato, irrimediabilmente schiavo del piacere, incapace di ripristinare il dominio della ragione e di seguire i consigli paterni, Paolo sa di essere condannato, come i suoi squallidi parenti a vivere una vita di solitidine.
Critica "La trasposizione cinematografica del romanzo incompiuto di Vitaliano Brancati narra la storia di un erotomane che, incapace di risolvere il conflitto tra i sensi e la ragione, è destinato a rimanere per sempre schiavo dei primi. Anziché porre l'accento sul dramma esistenziale del personaggio - alla cui sofferenza, quando s'accorge di non poter tornare indietro, il film riserva appena le ultime scene - il regista si è affidato a una puntualizzazione tutta esteriore dei fatti.

MALIZIA

Un film di Salvatore Samperi. Con Tina Aumont, Laura Antonelli, Lilla Brignone, Turi Ferro, Alessandro Momo, Angela Luce, Pino Caruso, Stefano Amato. Genere Commedia, colore 99 minuti. - Produzione Italia 1973.

Fu 'Malizia' il film che segnò la svolta in un genere cinematografico, quello sexy-erotico, che sembrava avere il fiato corto, e che invece, anche grazie al film di Salvatore Samperi, acquistò nuova linfa e si rigenerò con successo fino al termine degli anni settanta. Il motivo del trionfo al botteghino di 'Malizia' fu dovuto soprattutto alla sua protagonista, la splendida Laura Antonelli, la cameriera che deve soddisfare i desideri sia di un anziano vedovo (il bravissimo Turi Ferro) che dei suoi figli, uno dei quali interpretato dallo sfortunato Alessandro Momo. La Antonelli non solo era bella e sensuale, ma rappresentava una novità per questo genere di film: l'attrice che mostrava le sue grazie non era più una stangona straniera, non una irraggiungibile Barbara Bouchet, una prorompente Edvige Fenech, non una super sensuale Femi Benussi, ma aveva i panni di una donna dal viso semplice, quasi una insospettabile vicina di casa condiscendente che tutti i maschi italiani sperarono, prima o poi, di incontrare sul pianerottolo di casa.
Era il 1973, la tv era ancora più che bacchettona, e i film sexy imperversavano nelle sale ma con il divieto ai minori: dinanzi ai cinema in cui si proiettava 'Malizia' c'era la fila dei giovanissimi, adolescenti impossibilitati ad entrare a causa del divieto, che si accontentavano dei racconti dei fratelli più grandi. E c'era poi la caccia al cinema in cui la cassiera non chiedeva il documento d'identità e che 'ti faceva entrare'. Tutti ad ammirare lei, la Antonelli che, fotografata da un grande Vittorio Storaro, saliva sulla scaletta per spolverare mostrando calze nere, una maliziosa giarrettiera e, soprattutto, le sue bellissime gambe; lei che sapeva fulminare lo spettatore col suo sguardo semplice, con la sua bellezza cristallina, con quella insospettabile carica erotica.
La carriera di Laura Antonelli avrebbe segnato altri punti importanti negli anni settanta: dal divertente 'Sesso matto', a 'Mio Dio come sono caduta in basso!', all'indimenticabile 'La divina creatura' di Patroni Griffi, dove, al fianco di un frastornato Terence Stamp, si esibiva nei famosi sette minuti di nudo integrale. Sappiamo tutti che fine ha fatto la Antonelli, sembra impossibile credere che la donna dei desideri dei maschi italiani negli anni settanta possa avere avuta una vita così piena di problemi. Ma noi tutti la ricorderemo sempre bella in questo piccolo film culto di un genere cinematografico che molti disprezzano ma che ha da sempre suscitato la curiosità di tutti.
ERNESTO MARIA VOLPE (pagine70.com)

Nazione: Italia Anno: 2002 Genere: Commedia Durata: Regia: Franco Battiato Cast: Corrado Fortuna, Donatella Finocchiaro, Gabriele Ferzetti, Ninni Bruschetta, Rada Rassimov Produzione: Franco Battiato, Francesco Cattini Distribuzione: Warner Bros

Battiato non ha girato un film ma ha scritto una canzone montandoci delle immagini al posto delle note. Ha preso il pentagramma e come un album di ricordi ci ha incollato sopra le fotografie della sua infanzia a Riposto negli anni Cinquanta. 

Però, come dichiarato da lui stesso, non è un film autobiografico, infatti i ricordi della sua infanzia si limitano soltanto ai luoghi, agli oggetti e alle usanze che fanno da contorno alla storia dell’immaginario Ettore Corvaia. Ha usato i sogni e l’emancipazione del protagonista come un binario che ci porta attraverso tanti flash di rimembranze sul percorso Catania-Milano; e i cambi improvvisi fra la trama e le altre inquadrature non sono altro che introduzione, ritornello, refrain, ritornello, refrain, ritornello, finale, proprio come in una canzone, una canzone di quelle buone, di quelle che ti raccontano una storia invitandoti, per vederla, ad entrarci dalla porta di servizio e non da quella principale. La Madonna nera di Fossati parla di una processione religiosa, di una statua nera che si inclina, di un uomo che la sorregge e la paragona alla donna amata. Eppure è una canzone d’amore. Chi l’avrebbe mai immaginato se non l’avesse detto lo stesso Fossati? Questo è il bello di entrare dalla porta di servizio.

Non pensavo che Battiato, cimentandosi al cinema quasi per gioco, riuscisse ad ottenere una fotografia degna di un regista con quattro oscar in bacheca. Ogni fotogramma è quasi un quadro. E poi i luoghi: Ragusa, Acicastello, Acitrezza, Catania e Palazzolo Acreide con i loro colori fanno già sceneggiatura; le suore con le tonache nere che si stagliano sulle facciate barocche di chiese costruite col tufo giallo, con lo sfondo del cielo azzurro… e poi la luce, l’immensa luce che c’è qui. Ungaretti deve essere passato da queste parti. Geniale la scena al macello, quando la cinepresa si sposta dalla mano armata di coltello - pronta ad uccidere l’animale – fino a salire sopra quel muretto affacciato sul mare dove si vede di spalle il piccolo Ettore, che non vuole più accettare quel mondo e sogna di veder passare il Rex dei suoi desideri e della sua fantasia, perché dentro di noi c’è sempre stato un Rex, simbolo di una partenza liberatoria che ti porta via.Gli oggetti, le situazioni, le battute necessarie per riportare lo spettatore indietro nel tempo sono tutti molto curati e, come uno storico consumato, Battiato non ha mai lasciato niente al caso. Nel bagno di casa Corvaia il padre con la brillantina in pomata davanti a un autentico specchio che si usava negli anni Cinquanta e dieci anni dopo il figlio con altro tipo di gel, altri pettini, altri specchi, altre canottiere, altro tutto (ma dove li ha trovati?). Tutto è stato messo al suo posto, minuziosamente, come in un museo di modernariato.

Ho letto della visione metafisica di Battiato riportata in questo film. Mah…io non ne capisco niente di metafisica, forse sto parlando di metafisica e nemmeno me ne rendo conto. Comunque, le immagini presentano con dovizia di particolari una generazione e un mondo che non c’è più. Alcune cose me le ricordo e sono arrivato in tempo a vederle, anche se sono più giovane di Battiato: il mangiadischi, le seicento, quelle lampade sulle scrivanie, i complessini che suonavano su un palchetto con tastiere Farfisa traballanti e con improvvisati impianti di amplificazione, le uova acquistate in campagna, ecc. E anche i modi di dire e di fare: con calma, senza fretta, senza stress; ritmi molto cadenzati, perché allora di tempo ce n’era tanto e di cose, a differenza di oggi, se ne facevano poche ma buone. Le ventiquattro ore di un giorno sembravano non finire mai e, a volte, la salutare partita a briscola nel film serviva ad esoricizzare certe situazioni. 

Oggi sembrerebbe una cosa inutile e noiosissima e si scapperebbe subito presso lo studio di un consulente familiare, per non perdere tempo. Sempre per non perdere tempo.

Perché non lo fermiamo questo tempo? Dalle parti di Acireale, in una frazione incastonata fra giardini di limoni e il mare, c’è un bar a conduzione familiare che produce una granita di mandorla buonissima, ma il servizio è pessimo. Può capitare di ordinarla e sentirsi rispondere "Ora a voli? Si facissi du passi ca poi a facemu!". Magari poi te la preparano subito, anche a mezzanotte, ma quelle lamentele sprigionano tutto il folclore e la sottile ironia che circolano da queste parti. I catanesi lo sanno, ci vanno apposta e stando al gioco si divertono a ricevere le risposte più colorite alle loro richieste. E fanno questo anche per passare tempo, e questo da noi si chiama "sbaddu" (spiego altrove cosa significa). 

Il bello viene quando capita da quelle parti una famigliola del Nord che si incazza quando riceve quelle risposte, risposte che non comprendono, perché la loro vacanza è tutta programmata e il tempo destinato all’assaggio di quella prelibatezza era soltanto di venti minuti, sempre per non perdere tempo. E invece non sanno che il divertimento è proprio lì, cogliere l’attimo di certe situazioni occasionali, sfruttarne tutti i suoi aspetti positivi e spassosi, senza guardare l’orologio o il telefonino.

Devo dire che il film mi ha affascinato fin dall’inizio. Tanto ne ero preso che nel finale vengo pure colto di sorpresa: "Oh, guarda chi c’è… che ci fa De Gregori qui?", quasi dimenticando il motivo della mia presenza in quel cinema. Subito dopo, però, ho sollevato istintivamente la mia mano destra quasi a cercare il testo "rewind" del telecomando. Devo dire che nella parte del musicologo che parla di catarsi e sciamani si è comportato davvero bene, complimenti.

La Sicilia, chiaramente, non è più come quella descritta nel film, anche qui la gente corre e pigramente si affida alla tecnologia perché è più comodo e non fa perdere tempo. Il cucito non si fa più come in quel bellissimo cortile circondato da banani, dove le donne, fra l’ago, la lingua e il ditale (facendo finta di essere sottomesse) regolavano il destino dei loro uomini. 

E’ sempre stato così, in Sicilia hanno sempre comandaro loro.La battuta finale di Sgalambro, seduto al tavolino di un bar in una piazza assolata, simboleggia tutto il nostro modo di essere: "La Sicilia esercita un diritto di appartenenza. Per favore, una granita alla mandorla".

E’ vero, siamo fatti così. Seduti a un tavolino, con una granita di mandorla davanti e stavolta PER perdere tempo, volutamente, quaggiù siamo ancora capaci di consumarla impiegandoci anche due ore filosofando, filosofando, filosofando, filosofando, filosofando, filosofando, filosofando, filosofando, filosofando, filosofando, filosofando, filosofando …

(MimmoRapisarda)

 

 

PERSONAGGI E INTERPRETI Rosalia Capuzzo in Mardocheo: Agostina Belli Carmelo 'Mimì' Mardocheo: Giancarlo Giannini Fiorella 'Fiore' Meneghini: Mariangela Melato

Mimì, operaio siciliano di sinistra, viene licenziato a causa delle sue idee politiche. Costretto ad emigrare al nord, a Torino, per cercare un nuovo impiego, l'uomo lascia la moglie Rosaria. Giunto a Torino, Mimì trova lavoro come edile presso l'Associazione Fratelli Siciliani, che gli offre anche una sistemazione. Ben presto, però, Mimì capisce che l'associazione assistenziale è solo una facciata per coprire una serie di attività illecite della mafia. Dopo un attimo di titubanza, Mimì approfitta della situazione e fa carriera, grazie alla protezione mafiosa, in un'industria metallurgica. Nel frattempo si trova anche un'amante: Fiore, dalla quale ha un figlio. Quando però ritorna a Catania, con tanto di amante al seguito, Mimì scopre che sua moglie aspetta un figlio da un brigadiere della finanza. Deciso a vendicarsi Mimì seduce a sua volta la moglie del brigadiere e la mette incinta. Dopo che Mimì ha rivelato la verità al brigadiere, un sicario della mafia si mette in mezzo e per paura che l'uomo abbia una reazione contro Mimì, lo uccide. Mimì passa poco tempo in prigione finché la mafia lo fa scarcerare. All'uscita di prigione, diventa galoppino elettorale di un noto esponente mafioso. Si ritrova la moglie e l'amante con i rispettivi figli. Ma un giorno Fiore, l'unica che lo amava davvero, disillusa dalla situazione, lo abbandona.

 

 

UN BELLISSIMO NOVEMBRE

Regia: Mauro Bolognini Interpreti: Margarita Lozano, Gabriele Ferzetti, Paolo Turco, Gina Lollobrigida Durata: h 1.31 Nazionalità: Italia 1969 Genere: drammatico Al cinema nel Gennaio 1969

Nino è un irrequieto adolescente di Catania, che cova una sfrenata passione d'amore per la zia Cettina. La donna, che è sposata e matura, ricambia in parte l'attenzione del nipote Nino ma allo stesso tempo è interessata ad un socio del marito, giovane ed aitante. Nino che è costretto così ad allontanarsi dalla zia, reagisce accettando suo malgrado. Infine il giovane, pur non dimenticando la focosa zia si sposa con una coetanea. 

Il film è tratto da un romanzo di Ercole Patti. Tutto ha inizio in uno dei salotti borghesi di Catania dove il giovane Nino è seduto con la zia sulle gambe, ciò ovviamente gli provoca delle forti emozioni che alla sua età saranno difficili da dimenticare. Lo sfondo si sposta alle pendici dell'Etna in una masseria nel mese di novembre (che ha sempre qualcosa di affascinante e misterioso). Il giovane s'innamora perdutamente della zia con la quale arriva a consumare la sua prima esperienza sessuale. Le conseguenze di questo amore proibito, data la parentela, per il giovane sono nefaste non solo perché lo porta ad una "morte psicologica", infatti il suo unico pensiero è rivolto alla zia, ma anche alla morte vera e propria poiché durante un raptus di gelosia insegue la zia che si era appartata con un altro uomo; temendo di essere scoperto scappa via e noncurante dei pericoli del sentiero "batté violentemente il capo su una roccia e non si mosse più".

Estratto da "http://it.wikipedia.org/wiki/Un_bellissimo_novembre"

IL VANGELO SECONDO MATTEO

REGIA: Pier Paolo PASOLINI PRODUZIONE: Italia - 1964/2004 - Dramm./Biblico DURATA: 137' INTERPRETI: Enrique Irazoqui, Margherita Caruso, Susanna Pasolini, Marcello Morante, Mario Socrate, Settimio Di Porto, Alfonso Gatto, Elio Spaziani, Luigi Barbini, Giacomo Morante, Giorgio Agamben, Guido Cerretani, Ferruccio Nuzzo, Rosario Migale, Enzo Siciliano, Otello Sestili, Alessandro Clerici, Paola Tedesco, Natalia Ginzburg SCENEGGIATURA: Pier Paolo Pasolini FOTOGRAFIA: Tonino Delli Colli SCENOGRAFIA: Luigi Scaccianoce - Dante Ferretti MONTAGGIO: Nino Baragli COSTUMI: Danilo Donati MUSICHE: Luiz E. Bacalov - Carlo Rustichelli Bach, Mozart, Prokofiev, Webern

L'indicazione cinematografica per il Venerdì Santo ci induce alla visione di un'opera fra le più amate e discusse sulla vita di Gesù: “Il vangelo secondo Matteo”, diretto da Pier Paolo Pasolini. Il film fu presentato il 4 settembre del 1964 alla XXV Mostra di Venezia, che gli decretò il Premio Speciale della Giuria. Dopo il restauro della pellicola del 2004, il film lo si può reperire in videoteca. Questo film ci tocca molto da vicino, essendo stato in larga parte girato in Basilicata, in particolare a Barile e a Matera, con qualche esterna anche a Potenza, come in Puglia, in Calabria e nella Valle dell'Etna. La fotografia in bianco e nero di Tonino Delli Colli ne esalta i contenuti, con la sua immagine di povertà, non meno dei costumi curati da Danilo Donati, e delle musiche originali di Luis Bacalov, oltre che del repertorio classico che tocca Bach, Mozart, Prokofiev, Webern, con incursioni nella musica etnica africana, incisiva ed intensa come lo sono i canti rivoluzionari russi. E poi il cast: Gesù è interpretato dallo studente spagnolo Enrique Irazoqui (doppiato da Enrico Maria Salerno); Margherita Caruso è Maria da giovane; la madre del regista Susanna Pasolini interpreta l'anziana Madonna; e infine la schiera di scrittori e poeti a lui cari, come Natalia Ginzburg (Maria di Betania), Alfonso Gatto (l'apostolo Andrea) Enzo Siciliano (Simone); e Ninetto Davoli (pastore); Amerigo Bevilacqua (Erode I); Francesco Leonetti (Erode II); assistente alla regia Elsa Morante. Innumerevoli i premi vinti dal Vangelo dopo aver commosso il pubblico a Venezia. Il film è una riproposizione molto fedele del Vangelo secondo Matteo. Si ripercorrono le tappe della vita di Gesù Cristo: la nascita, Erode, il battesimo di Giovanni Battista fino ad arrivare alla morte e alla resurrezione.

Pasolini lesse il Vangelo per la prima volta nel 1942, la seconda ad Assisi nel 1962 su invito della Pro Civitate Christiana presso la Cittadella. L 'iniziativa venne da Lucio Caruso, un medico che operava nella Cittadella Cristiana e che aveva fondato alcuni lebbrosari in Africa. Quando abbiamo avuto la fortuna di intervistarlo, leggevamo ancora nei suoi occhi un entusiasmo giovanile per quell'esperienza unica. Pasolini – ci raccontava – lesse il Vangelo di Matteo in una sola notte e lo trovò completo per una sceneggiatura. Riteneva la versione dell'apostolo Matteo quella che più d'ogni altra risalta l'umanità del Cristo, il suo essere uomo tra gli uomini. Pasolini non era cattolico, e quella mancanza di "resistenze interne" lo convinse a terminare questo ambizioso e rischioso progetto. Il Vangelo cui Pasolini si richiama lascia emergere una figura umana, più che divina, di Cristo che, anche se ha molti tratti di dolcezza e mitezza, reagisce con rabbia all'ipocrisia e alla falsità. È un Cristo che non è venuto a "portare la pace ma la spada", perché sia possibile accedere al regno di Dio con cuore puro "come quello dei bambini".
È, anche, un Cristo rivoluzionario. “Nel particolare momento storico in cui Cristo operava – sosteneva il regista - dire alla gente 'porgi al nemico l'altra guancia' era un'affermazione di un anticonformismo da far rabbrividire, uno scandalo insostenibile. Infatti lo hanno crocifisso…"

E c'è la Basilicata da sfondo alle immagini sul Cristo di Pasolini. Esattamente le cantine di Barile, dove memorabili resteranno le immagini della “Strage degli innocenti”: bambolotti come bambini scaraventati e dilaniati dai crudeli soldati di Erode. Armati di spadino di legno e con un turbante nero, apparivano nella finzione di uccidere. E poi le donne riprese nel loro dolore, irrompono di prepotenza sullo schermo. I volti sono segnati dal sole, le madri sembrano nonne e le mamme (come la stessa Maria della Natività) sembrano bambine. Pasolini ridisegna, con percettibile coerenza, l'immagine di quel tempo, nel quale la miseria solcava il viso degli uomini, rendendoli incredibilmente identici.

Queste come altre, rimangono nel ricordo ormai sbiadito degli ultimi testimoni della presenza in Lucania dell'autore friulano, che scelse il Sud e questa regione, per rappresentare il dolore. Per il ruolo della Madonna (mirabile l'interpretazione sotto la Croce ) il poeta-regista portò in scena sua madre: mai scelta si rivelò più ardita, in un rapporto filiale mutuato nelle sequenze del pianto. Quasi un preludio al pianto per la cruenta sorte del regista-poeta. E infine quel Sud carico di significato, come l'Etna (per la scena della tentazione), l'imponente castello federiciano di Lucera (quale regno di Erode), la scarna gravina di Massafra per le predicazioni e infine l'aspra Crotone: la durezza e la bellezza del messaggio di Cristo, questo l'obiettivo di Pasolini assolutamente raggiunto.

Armando Lostaglio

LA SBANDATA

Un film di Alfredo Malfatti. Con Luciana Paluzzi, Domenico Modugno, Eleonora Giorgi, Umberto Spadaro, Pippo Franco, Franco Agostini. Genere Commedia, colore 90 minuti. - Produzione Italia 1975.

Un film sfortunato questo LA SBANDATA che, pur avendo tutte le qualita' per diventare un hit nel 1974 (un'appetitosa Eleonora Giorgi al massimo della forma, bianca e liscia come porcellana, Domenico Modugno nel ruolo principale e Samperi alla regia, reduce dalla sbornia colossale dei due miliardi e passa incassati al botteghino con MALIZIA), per motivi difficilmente spiegabili ha fallito il decollo ed e' rimasto in un cantuccio, ignorato dal pubblico e stroncato dalla critica, a raccoglier polvere prima nei magazzini dei distributori poi nelle videoteche.
Le cose si sono messe male per LA SBANDATA gia' prima dell'uscita nelle sale quando Samperi misteriosamente ne ricusa la paternita' facendolo firmare ad Alfredo Malfatti, fino ad allora (e da allora in seguito) poco noto documentarista.
Eppure, nonostante la retromarcia del regista, il "tocco Samperi" e' evidentissimo nel corso di tutta la pellicola nelle frequenti picchiate voyeuristiche della cinepresa su reggicalze e mutandine, nell'intrigo erotico "parentale" tutto svolto tra le mura domestiche e nelle frecciate politiche rare ma velenose. C'e' pure un'ironica autocitazione nella sequenza in cui la Giorgi, coperta di regali dallo zio Modugno appena rientrato in Sicilia dopo aver fatto fortuna negli USA, e' esortata dai genitori a contraccambiare con un soave "Grazie zio".
Modugno, solitamente dongiovanni a parole nei varieta' dell'epoca, ha modo qui di rendere piu' esplicito il suo personaggio pubblico rimestando a piene mani tra tette e culi di nipotina e cognata arrivando, in un momento di focosa passione, a fellare un delicato piedino della Giorgi per poi ingoiarlo quasi interamente (!!!). Una serie di piccole notazioni e tic, uniti al consumato mestiere dell'interprete, contribuiscono inoltre a rendere il personaggio dello "zio d'America" insolitamente profondo ed umano.
L'ex Bond girl Luciana Paluzzi e Pippo Franco, entrambi in versione "sicula" completano il cast.
LA SBANDATA e' uno dei rari esempi di quella cinematografia a cavallo tra il trash e il mainstream che definirei "di confine", e gli estimatori dell'una e dell'altra categoria troveranno certamente piu' di un motivo per godersi il film.

I RACCONTI DI CANTERBURY

Un film di Pier Paolo Pasolini. Con Hugh Griffith, Franco Citti, Laura Betti, Ninetto Davoli, Joséphine Chaplin, Alan Webb, Tom Baker, Vittorio Fanfoni, Anita Sanders, Vernon Dobtcheff, Jenny Runacre, Philip Davis. Genere Epico, colore 122 (111) minuti. - Produzione Italia 1972.

Ancora una volta il verdetto di una giuria cinematografica non aderisce all’opinione che la maggioranza del pubblico e della critica si è fatta di un film. Un applauso striminzito, e commenti imbarazzati nonostante molte grasse risate durante la proiezione, hanno accolto la prima mondiale dei Racconti di Canterbury, il film di Pier Paolo Pasolini girato in Inghilterra (e quella inglese è l’edizione che l’autore considera originale) ma presentato dall’Italia al Festival di Berlino, secondo pannello d’un trittico ideale, governato dalla gioia di raccontare, che fu aperto dal Decameron e sarà chiuso dalle Mille e una notte.
La reazione del pubblico tedesco, assai calorosa finché le luci erano spente, riservata e quasi polemica quando si sono riaccese, è significativa, e non certo perché dettata dalla scabrosità della materia: proprio di fronte al grande Zoo Palast in cui il festival celebra i suoi fasti, una ormai famosa organizzazione con licenza di sconcezze proietta regolarmente i suoi filmini pornografici a un pubblico avvezzo a ben altro che ai nudi integrali e agli amplessi promiscui cari al cinema di Pasolini.
A parer nostro la platea di Berlino ha istintivamente afferrato che I racconti di Canterbury, anziché riecheggiare la struttura unitaria dell’originale letterario, è un film frammentario sia nell’ispirazione sia nella conduzione di ciascuna novella, come dire è divertente e spassoso in alcune scene, talché sbellicarsi dalle risa non è affatto indice di scostumatezza, ma anche, in molte altre, è confuso e di ritmo fiacco, e persino malinconico in quel frequente ricorrere, per far ridere, alle più sonore flatulenze. Da qui, nel complesso, un senso di insoddisfazione, di non rifinito e di affrettato, che l’autore ammette per primo (e infatti annuncia ritocchi), ma probabilmente dovuto anche al vezzo di Pasolini di far parlare i suoi personaggi, fraintendendo la nozione di naturalezza, con voci prese dalla strada, di amici personali o di indotti, controproducenti in un film che deve ricavare espressività anche dal colore e dal corpo del dialogo.
Come già per Decameron, accade che il prolifico Pasolini - un film l’anno, oltre i saggi, il teatro, la poesia - portando sullo schermo otto novelle di Chaucer, il poeta inglese del Trecento da lui stesso qui interpretato con simpatica ironia, e aggiungendovi qualche siparietto di dubbio gusto, confezioni uno spettacolo per le masse che ha grandi meriti nell’ordine paesistico e scenografico ma che stringe poca sostanza poetica e morale - benché si proponga di dire «grandi verità» tra scherzi e giochi - e nel rapporto fra realistico e fantastico perde colpi (soprattutto nella piuttosto scipita seconda parte). Sicché quel gran senso vitale che il film dovrebbe glorificare a scorno delle ideologie, e quella idealizzazione del medioevo cui dovrebbe condurre la nausea dell’oggi, sono assai più godibili nella composizione figurativa e nella visionaria interpretazione ambientale, spesso d’alta classe, che sulla tastiera emotiva e tonale delle varie novelle, mosse intorno ai soliti casi salaci e piccanti di mariti cornuti, di vecchi lascivi, di donne vogliose e ragazzi all’assalto, dove anche la morte ha ovviamente la sua parte, ma ciò che domina è la beffa, l’idea che il sesso è sempre allegria, e l’irresistibile provocazione visiva simbolizzata dalle natiche affacciate ai balconi della prima novella, strumento di spietato dileggio e veicolo di infernale castigo.
Motivi della stessa qualità farsesca, nutriti di festosa naturalezza ma raramente maturati a valori lirici, si ritrovano un po’ dovunque: sia nella novella della lussuriosa comare di Bath (Laura Betti), sia in quella dei due giovanottini che si vendicano di un ladrissimo mugnaio godendosene la moglie e la figlia, sia nella più lunga ed elaborata, del vecchio castellano (Hugh Griffith) che sposa una ragazzina (Josephine Chaplin), perde la vista, e la riottiene giusto in tempo per scoprirsi tradito. Cui si intrecciano le tragiche: dei tre amici che per impossessarsi d’un tesoro si ammazzano a vicenda, d’un venditore di frittelle che spia i viziosi e assiste alla loro morte sul rogo, del diavolo (Franco Citti) che s’accompagna a un ricattatore. A mezza strada, Pasolini ha ritagliato per Ninetto Davoli, memore del Circo , una sorta di balletto chapliniano molto amabile - forse la cosa migliore di tutta la pellicola - e in chiusura ha inventato sulle pendici dell’Etna un memorabile inferno bruegheliano, ancora una volta percorso dai temi petofoni, quasi leit-motiv d’un film che ad ogni buon conto ha per sigillo un sarcastico amen.
Riflesso schietto d’un artista che ha bandito i direttori di coscienza e s’è fatto una idea sempre più godereccia della vita e popolaresca del cinema, I racconti di Canterbury è un film che facilmente, nonostante i suoi difetti, diverrà un campione di incasso. Quella piccola frangia di pubblico che volesse trovarvi da ridire farà bene a non invocare fulmini censorii, perché nonostante gli eccessi cui può condurre la violenza espressiva la volgarità non è ancora l’osceno. Uno spunto di riflessione le sarà invece fornito dal fatto che di Pasolini, a Berlino, è stato presentato anche il documentario Dodici dicembre, ispirato alla strage di Piazza Fontana: un pamphlet che serve a smentire l’immagine d’un Pasolini ormai consegnatosi al più reazionario edonismo.

 

 

JOHNNY STECCHINO

Regia: Roberto Benigni Sceneggiatura: Roberto Benigni, Vincenzo Cerami Fotografia: Giuseppe Lanci Scenografia: Paolo Biagetti Costumi: Gianna Gissi Musica: Evan Lurie Montaggio: Nino Baragli Prodotto da: Group Tiger, Melampo (Italia,1991) Durata: 121' Distribuzione cinematografica: Cecchi Gori

PERSONAGGI E INTERPRETI Dante, Johnny Stecchino: Roberto Benigni Maria: Nicoletta Braschi Ministro: Franco Volpi Dottor Randazzo: Ivano Marescotti

Dante fa l'autista d'uno scuolabus per ragazzi disabili: uno di loro, Lillo, è il suo unico amico. Dante è ingenuo e un po' naif: a volte ruba per gioco qualche banana e, sempre senza malizia, truffa l'assicurazione, fingendo una menomazione alla mano destra.
Una notte è investito da un'auto, una donna scende di corsa per soccorrerlo, anche se Dante non ha riportato nessun danno: dopo averlo fissato un po', costei sviene. Qualche giorno più tardi, Dante incontra di nuovo Maria, bella e misteriosa, e se ne innamora. Lei gli cambia il nome in Johnny, gli disegna un neo sulla guancia, lo veste elegantemente, gli suggerisce il vezzo di masticare uno stecchino e poi lo porta fuori a cena. Ricoprendolo d'attenzioni, Maria riesce a spingerlo a partire per Palermo, dove sarà ospite in una lussuosa villa. Qui girano droga e loschi individui, tra i quali un presunto zio avvocato, che fa credere a Dante che la cocaina sia una medicina per il diabete. Dante è vittima d'un raggiro: la sua somiglianza impressionante con il marito di Maria, un mafioso italo americano di nome Johnny Stecchino, ha indotto la donna a servirsi di lui. Dante sarà ucciso dai mafiosi al posto di Johnny, che si nasconde negli scantinati della villa; così, la coppia di malfattori potrà tranquillamente fuggire all'estero.
Dante, maldestro e inconsapevole, provoca, suo malgrado, una serie d'equivoci. Riesce a smascherare un ministro corrotto e cocainomane, viene insultato dai palermitani durante una serata all'Opera, si salva da un tentativo di omicidio dal barbiere. Nel frattempo il vero Johnny, credendo che il sosia sia già morto, viene assassinato dai mafiosi in un bagno pubblico. Dante torna a Firenze e regala all'amico Lillo, malato di diabete, un sacchetto di droga che lui crede una medicina; Lillo la prova e corre per strada, felice.
Il film è stato girato quasi interamente in Sicilia. La Villa Caputo, in realtà Villa Arezzo, si trova dalle parti di Bagheria vicino Palermo. Le sequenze del teatro sono state girate al Teatro Massimo Bellini di Catania, mentre quelle del furto della banana a Letojanni (Messina), dove tuttora si possono trovare la bottega dell’ortolano, del barbiere ed il bar. L'autogrill dove viene ucciso Johnny è quello di Roccalumera Est.

 

 

L'UOMO DI VETRO

Regia: Stefano Incerti Italia 2006 Produzione: Raicinema, Red Film Musica: Andrea Guerra

Cast: David Coco, Anna Bonaiuto, Tony Sperandeo, Elaine Bonsangue, Ilenia Maccarrone
Sceneggiatura:Heidrun Schleef, Salvatore Parlagreco, Stefano Incerti (collaborazione)
Secondo le cronache Leonardo Vitale è stato il primo pentito di mafia che abbia consentito un’analisi puntuale della struttura di Cosa nostra. La sua confessione risale al 1972: allora solo un pazzo poteva fare una cosa del genere. Leonardo è un ragazzo debole, uno che per quanti sforzi faccia non è mai proprio uguale, conforme a quelli che gli stanno attorno: fa un po’ lo spavaldo con la sua ragazza, Maria, ma poi è un tenero innamorato che tutti i giorni l’aspetta quando lei esce dall’ufficio, e in fondo è diventato killer di mafia per compiacere lo zio che lo ha tirato su come un figlio fino ad accompagnarlo tra gli “uomini d’onore”. Così questo ragazzo commette un'ingenuità e si ritrova in carcere dove - tenuto in isolamento per 42 giorni e continuamente minacciato - perde il suo già debole equilibrio mentale. Una volta fuori scopre che il suo posto nel mondo è quello del matto conclamato, altrimenti è solo un morto che cammina.

Così, da un giorno all’altro, la vita di Leonardo si frantuma e l’unica cosa che giustifica il suo non aver seguito “le regole” è la pazzia, pazzia a cui affianca un pericoloso misticismo da cui potrebbe discendere un necessario perdono dei suoi peccati commessi come “picciotto”. L’esistenza borderline di Leonardo dura poco, però, perché un bel giorno decide, sotto la spinta della sua ricerca di redenzione, di rivelare alle forze dell’ordine tutto ciò che sa dell’organizzazione di Cosa nostra, dimostrando di avere un’ottima memoria, fornendo precise indicazioni sia sui delitti da lui stesso commessi, sia su quelli di cui è negli anni venuto a conoscenza. La sua unica salvezza sarà la pazzia, una lucida pazzia. I pazzi, si sa, fanno cose incomprensibili ai più ed i più avevano più voglia di capire (forse comprendere) la violenza dei mafiosi piuttosto che le motivazioni individuali di chi non riusciva più a vivere dentro a quei delitti e a quel particolare tessuto sociale. Leonardo, nella sua ingenuità, fa un grande azzardo, è un po’ come se salisse su un albero e da lì provasse a gridare al mondo la sua verità, protetto dalla distanza che l’albero della follia metteva tra lui ed il mondo. Matto, mistico, ma con licenza di parlare perché lucido (tutte le sue denunce trovano sempre precisi riscontri nei fatti noti alla polizia). E così continua, finché la sua mente, logorata dalle “cure” dei vari manicomi in cui soggiorna (elettrochoc e detenzione ai limiti della sopravvivenza) e dalle “attenzioni” che la mafia riserva ai suoi cari (uccidono il suo amico Salvatore e violentano la sua Maria), non cede inevitabilmente e finisce per non ricordare più: la sua unica arma si spunta e le porte del carcere si aprono per i mafiosi da lui accusati. In compenso la memoria della mafia non si spunta e sarà pronta all’appuntamento quando finalmente Leonardo sarà scarcerato.

Una storia di trentacinque anni fa, ma che potrebbe essere dell’altro ieri, un racconto efficace, narrato con i tempi giusti e ben eseguito da tutti i suoi interpreti. Una storia di denuncia che riesce anche a parlarci di avvenimenti più sottili, ci racconta con cura personaggi difficili che rendono più incisiva la denuncia stessa. Una storia che non resta lì - a Catania nel 1972 - ma ci raggiunge e ci coinvolge tutti: il racconto di un uomo che scopre che quanto più capisce ciò che osserva, tanto più si allontana dagli altri, vive di vita propria aldilà dello specifico contesto.

 

 

MALENA

Italia, 2000, Drammatico, 105', Làntia Cinema - Attori: Daniele Arena, Giovanni Litrico, Monica Bellucci, Giuseppe Sulfaro, Costumi: Maurizio Millenotti, Fotografia: Lajos Kolltai, Musica: Ennio Morricone, Regia: Giuseppe Tornatore, Sceneggiatura: Giuseppe Tornatore, Scenografia: Francesco Frigeri,

Sicilia, 10 giugno 1940: inizia la seconda guerra mondiale. Renato, 14 anni, è innamorato visceralmente di Malena, una bellissima donna molto più grande di lui. La spia, la pedina, vive in funzione di lei. Le loro strade seguiranno percorsi dolorosi e molto diversi: Renato diventerà adulto mentre Malena passerà da moglie devota, a vedova, a prostituta dei tedeschi. Alcune scene della scogliera sono girate a Catania

"Malèna" è la storia di un'ossessione erotica collettiva, espressa attraverso gli occhi di un ragazzino, Renato (l'esordiente Giuseppe Sulfaro, bravo e simpatico), follemente innamorato della donna più bella e misteriosa del paese (Monica Bellucci). Ci troviamo in Sicilia, in un periodo di tempo che va dallo scoppio della seconda guerra mondiale fino alla liberazione, e con gli occhi di Renato seguiamo le alterne vicende di Malèna, moglie fedele di un uomo partito in guerra e dato per morto, vittima della mentalità ipocrita e provinciale del paese in cui vive, e infine prostituta per tedeschi e fascisti.

Nonostante la bellezza dei luoghi e della protagonista, l'opera di Tornatore risulta fredda, e riesce raramente a coinvolgere davvero. Per tre quarti di film si ripetono ossessivamente sequenze in cui Malèna passeggia con distacco per il paese suscitando i commenti più volgari da parte degli uomini, alternate a scene, a volte comiche, in cui Renato la spia, la sogna, la desidera. Tra visioni, masturbazioni, corse in bicicletta per una Sicilia assolata e piena di vita (ma anche un po’ scontata e di maniera) il film e la vita di Renato si trascinano avanti stancamente fino alla svolta finale, che ristabilisce un equilibrio interrotto dalla guerra.

Il corpo di Malèna

Sergio Leone diceva che Clint Eastwood può fare solo due espressioni: con o senza il cappello. La Bellucci, sprovvista di cappelli, sfoggia un'unica espressione per gran parte del film. Non che questo sia un vero problema: Malèna è agli occhi di Renato (e di tutti gli uomini del paese) più che altro un corpo, da osservare, sognare, e magari conquistare. E' un'icona, un luogo comune, è la bella del paese. E quel corpo perfetto, su cui il regista indugia spesso, verrà, a liberazione avvenuta, sfigurato dalle altre donne, invidiose. Malena, in una scena molto forte e riuscita, subirà un linciaggio e pagherà non tanto per la sua connivenza con i tedeschi, ma per la sua irraggiungibile bellezza. E' qui, nelle ultime sequenze, che finalmente il film comincia a farsi sentire più vero e la storia perde per un momento quella artificiosità che la contraddistingue. Renato diventa l'artefice della riunificazione tra Maléna e il marito, e continuerà, adesso più teneramente, a voler bene a quella donna che non riuscirà a toccare mai se non per un attimo, alla fine, quando potrà augurarle buona fortuna.

Francesco Fasiolo

 

 

LA PRIMA NOOTTE DEL DR. DANIELI, INDUSTRIALE COL COMPLESSO DEL GIOCATTOLO

Un film di Gianni Grimaldi. Con Françoise Prévost, Alfredo Rizzo, Saro Urzì, Lando Buzzanca, Katia Kristine, Linda Sini, Enzo Garinei, Carletto Sposito, Ira Fürstenberg, Ileana Rigano, Katia Christine, Renato Malavasi, Francesco Sineri. Genere Comico, colore 93 minuti. - Produzione Italia 1970.
È una classica commedia erotica all'italiana: Carlo Danieli è un industriale siciliano, donnaiolo superdotato. Sposa la bella Elena, ma la prima notte di nozze scopre che la ragazza è ancora vergine. Abituato a frequentare donne di facili costumi, Carlo resta sconvolto dalla notizia al punto da non riuscire a concludere nulla.
Si confida con un medico, che però ha la chiacchiera facile: in breve la notizia si diffonde. Anche la madre di Elena, Donna Virginia, viene a saperlo dalla figlia, e raggiunge la coppia per cercare di aiutarli.
Carlo prova tutti i rimedi possibili, infilandosi in situazioni paradossali, infarcite di doppi e tripli sensi piuttosto grevi. Per cercare di ottenere l'effetto sperato, Carlo Danieli comincia a consumare una notevole quantità di acqua Pozzillo, all'epoca imbottigliata nell'omonima frazione di Acireale, considerata terapeutica per coloro che sono afflitti da problemi di erezione. Tuttavia non cambia nulla.
Sarà Donna Virginia a trovare la soluzione: per aiutare il genero a superare il complesso, pagherà una prostituta. Carlo ritroverà così la sua virilità e l'onore perduti.

 

AGENTE MATRIMONIALE

Un film di Cristian Bisceglia. Con Corrado Fortuna, Nicola Savino, Ninni Bruschetta, Elena Bouryka, Maura Leone, Elisa Sciuto, Vittorio di Paola. Genere Drammatico, colore 100 minuti. - Produzione Italia 2006. - Distribuzione 01 Distribution

Giovanni ha trent'anni. È siciliano di nascita ma ormai milanese d'adozione, dove è stato costretto a emigrare per motivi di lavoro. Anche a Milano però Giovanni, che non ha mai perso le peculiarità caratteriali della sua Sicilia, che oltretutto male si addicevano alla nordista vita milanese, perde il suo impiego e decide così di tornare nella sua città natale: Catania. Qui non trova di meglio da fare che mettersi "in società" con il suo vecchio amico e compagno di università Filippo a fare l'agente matrimoniale, con metodi, a dir poco, poco ortodossi, su tutti il "metodo Cyrano".
In Sicilia Giovanni si ritrova invischiato nelle dinamiche, nei magheggi, nelle situazioni tipiche della sua terra e di chi la popola, trovando non poche difficoltà ora a riadattarsi. Fino a quando un incontro con Aurora, trent'enne del nord, gli sconvolgerà nuovamente la vita.
Esordio nel lungometraggio per il regista milanese Christian Bisceglia che, dopo aver ottenuto enorme successo di pubblico e di critica con il suo cortometraggio Il regalo di compleanno, arriva così a cimentarsi nel lungo, trovando come produttori Eleonora Giorgi e Massimo Ciavarro. E firma quella che vorrebbe essere una tipica commedia italiana, saldamente concentrata fra toni grotteschi e toni drammatici. Il risultato non riesce però a essere del tutto positivo con una sceneggiatura spesso banale e ripetitiva e un plot che, sebbene all'inizio possa promettere bene, non riesce a essere sviluppato nel migliore dei modi. Una regia ancora eccessivamente acerba e impersonale, una fotografia inesistente e un montaggio piatto, banalizzano le quasi due ore di pellicola.
Anche il cast sembra fossilizzarsi troppo nella psicologia dei propri personaggi, che alla fin fine troppo spesso appaiono delle macchiette: Nicola Savino, alla sua prima esperienza cinematografica dopo tanta televisione e altrettanta radio, è forse il migliore di tutti, in virtù proprio del suo esordio, mentre Corrado Fortuna purtroppo non riesce a scrollarsi di dosso le espressioni del suo personaggio in My Name is Tanino di Paolo Virzì. Un film non riuscito che però, in quanto esordio, può far sperare in un'opera seconda.

 

VERA

Il cinema torna a Catania con il film «Vera» del regista Joseph Vilsmaier, una coproduzione italo-tedesca per la televisione, che vede tra gli altri agire sulla scena gli attori italiani Mario Adorf, Orso Maria Guerrini e Giovanna Rei, e tedeschi Lara joy Korner e Gunther Gillian. Il film sarà girato tra Catania e Dusseldorf.
E' una storia d'amore ambientata negli anni Sessanta, realmente accaduta, tra un giovane siciliano, (Gaetano) emigrato in Germania e di una giovane tedesca (Vera) che seguirà il suo fidanzato in Sicilia dove verrà coinvolta in un intreccio di avventure pericolose...
Auguri di tanta fortuna a questa nuova produzione cinematografica che porterà nel mondo le immagini di Catania e dei paesi etnei.

IL SOLE NERO

Un film di Krzysztof Zanussi. Con Valeria Golino, Kaspar Capparoni, Lorenzo Balducci, Mariella Lo Sardo, Toni Bertorelli, Victoria Zinny, Remo Girone. Genere Drammatico, colore 104 minuti. - Produzione Italia, Francia 2006.  Agata e Manfredi si amano di un amore assoluto. Dopo una notte di passione in cui i giovani sposi progettano un figlio e il futuro, Manfredi viene ucciso per noia e invidia da un vicino di casa balordo, celato dietro una persiana. Agata, impazzita per la perdita prematura del marito, è decisa a vendicarsi. Diffidente nei confronti dello Stato e della sua giustizia, Agata riconosce, pedina e inchioda al suo destino l'assassino del compagno.
Dopo l'elaborazione del lutto sentimentale dell'ambasciatore "non grato" e polacco del film precedente, Zanussi gira un melodramma metafisico ispirato a un fatto di cronaca accaduto nella provincia catanese. Nella città siciliana cova il dolore e la vendetta di una sposa che il capriccio di un "angelo caduto" ha reso dissennata e vedova. Formalmente elegante e rigoroso, il cinema del regista polacco risulta composto e distante nel trattare l'amour fou. La freddezza del film risiede nella volontà di non intervenire se non coi fatti, un metodo oggettivo tenacemente attaccato allo stato delle cose piuttosto che ai sentimenti.
Neppure la morbidezza della Golino riesce a creare il caos necessario a scompigliare le perfette geometrie esistenziali del film, la passione eccessiva e totale di Agata per Manfredi è tragica ma priva di vertigine. Lontani dalla Sicilia che "respira" di Crialese, i bei lineamenti dell'attrice sembrano piuttosto raffreddati dalla direzione di Zanussi, che non si annienta mai nel suo personaggio. Persino il mare di Siracusa che "infrange" Catania (il film è stato girato nelle due città siciliane che per licenza poetica diventano una sola) resiste alla sua macchina da presa, incapace di esplorarne l'identità profonda.
Le incertezze fisiologiche, la Tradizione, la profondità storica della Sicilia restano impermeabili allo sguardo "straniero" del regista, che non raccoglie l'emozione della sua eroina e che contrasta il racconto invece di accompagnarlo. È un film di oggetti, di superfici (quadri, specchi, pavimenti, tavoli e tavole da obitorio), di dettagli distribuiti per restituire il punto di vista di Agata, che nello sfiorare la realtà non fa che rivelarsene estranea, incapace a coglierla se non frantumata e alienata. Più abile e a suo agio nello sfruttare la situazione nascosta dietro le apparenze della situazione evidente, Zanussi sacrifica l'anima melò a quella metafisica e affronta il tema della giustizia intesa come conoscenza assoluta attraverso un caso di cronaca nera: la favola d'amore interrotta di una sposa. Nel Bel Paese che ha spinto all'estremo l'impunibilità, il regista segue il proposito di giustizia (sommaria) di una donna immobile e disumana, chiusa alle sollecitazioni esterne. Le mancanze dello Stato, che toglie otto anni di vita a un omicida che ha eliminato una vita intera, vengono sostituite con la miseria morale della protagonista, inesorabile giustiziera. La colpa di Agata è la stessa che condanna la sua vittima: la disumanità di un atteggiamento contratto in una dimensione irreale, quella dello studio di posa che introduce il film e in cui il film si perde.

 

PALOMBELLA ROSSA

Anno: 1989 Genere: Commedia Durata: 89' Regia: Nanni Moretti
Cast: Nanni Moretti, Asia Argento, Silvio Orlando, Mariella Valentini, Alfonso Santagata, Claudio Morganti, Eugenio Masciari, Mario Patané, Luigi Moretti.
Michele Apicella, un deputato comunista trentacinquenne, giocatore di pallanuoto, sta attraversando una profonda crisi, sia per ciò che riguarda la sua fede politica che la sua stessa vita poichè ha perduto la memoria per un incidente e non si ricorda neppure chi è. Mentre gli altri non sembrano rendersi conto del suo stato, Michele partecipa ad una partita contro la squadra di Acireale, durante la quale, gli affiorano improvvisamente nella memoria i ricordi della sua vita passata. Eccolo, dunque, bambino, quando costretto dalla madre e dall'arbitro a tuffarsi nella piscina, che lo terrorizzava, divenne, suo malgrado, un giocatore di pallanuoto. In seguito si rivede ventenne quando, comunista fervente, portava materiale di propaganda nelle case. Mentre la partita continua, e Michele gioca piuttosto male, nelle pause ai bordi della piscina egli parla con varie persone, fra cui un giovane cattolico assillante, che respinge costantemente, e una giornalista, che lo intervista su argomenti politici, ma che lo esaspera con le sue frasi fatte. Poi si vede nelle vesti di elegante deputato partecipare a Tribuna Politica, cercando però di ripetere sempre i soliti slogan, nei quali ormai più non crede. Intanto fra immagini del presente e del passato, la partita sta per essere vinta dagli avversari e la squadra di Michele tenta di risalire ad un pareggio. Ci riuscirebbe se proprio lui non sbagliasse l'ultimo tiro decisivo: una "palombella", un tiro insidioso, lento, a parabola che può sorprendere il portiere fuori dai pali. Deluso dalla vita, Apicella, allontanandosi, ha un altro incidente, da cui esce salvo e che gli consente di ricordare quando bambino rise, "senza ragione", vedendo in una manifestazione politica un simbolico sole rosso dipinto su di un grande cartellone. Esterni girati alle Terme S. Venera di Acireale

 

 

PAOLO BARCA, MAESTRO ELEMENTARE PRATICAMENTE NUDISTA

Italia 1975 di Flavio Mogherini con Renato Pozzetto  Magali Noël Janet Agren
Commedia 110 minuti

Un ingenuo nudista brianzolo, condizionato da una nonna invadente e autoritaria, vince un concorso statale e va ad insegnare in una scuola elementare di Catania. Con il suo comportamento sprovveduto e la sua inarrestabile logorrea, l'insegnante creerà scompiglio tra le colleghe e metterà in subbuglio le famiglie degli alunni.

Indubbiamente invecchiato, Paolo Barca è un film che, nell'epoca in cui è stato fatto "ci stava". La logorrea di Pozzetto era di gran moda e, in questo caso, riesce a far risaltare tutta la sua sprovvedutezza in ambito sessuale, specialmente messo a contatto con una società al tempo stesso spregiudicata ma ipocrita com'era la Sicilia trent'anni fa (ma le cose sono davvero cambiate di molto?). La morale era "si fa tutto, basta che non si sappia in giro". Questo sistema è messo in crisi dalla reazione inusitatamente ingenua dell'insegnante di fronte alle domande maliziose degli alunni della quinta elementare: cos'è la minchia? cos'è l'orgasmo? Al di là, comunque, di qualsivoglia (forse abusiva) interpretazione sociologica di questo film, a me pare che si tratti di una sorta di rivisitazione, con un protagonista settentrionale, di film precedenti quali Paolo il caldo (1973) di Marco Vicario (dal romanzo di Brancati) e della sua parodia Paolo il Freddo (1974) di Ciccio Ingrassia con Franco Franchi. Vi sono, in più, elementi surreali e surrealisti (i sogni, le improvvise apparizioni della nonna eccetera) e perfino qualche eccesso di fellinismo, testimoniato dalla bella e generosa Magali Noël. E in ogni caso il film è un perfetto veicolo per il Pozzetto debordante, recitativamente e pure fisicamente, del periodo. Ottimo anche il compianto Satta Flores.

 

 

LA SEDUZIONE

Italia (1973) - Drammatico, Erotico - 100 min. (colore) REGIA Fernando Di Leo  SCENEGGIATURA Fernando Di Leo, ...CAST Lisa Gastoni Maurice Ronet Jenny Tamburi, Pino Caruso

Da molti anni giornalista in Francia, Giuseppe Laganà torna nella natia Catania anche sospinto dal desiderio di rivedere Caterina, sua ex fidanzata che, ora, è vedova e madre dell'adolescente Graziella. Giuseppe riallaccia la relazione con l'antica fiamma e prende a frequentarne assiduamente la casa.
Ciò consente una vicinanza con Graziella che, affascinata dal quarantenne, inizia un'assidua opera di seduzione, divenendone presto l'amante. La scoperta della tresca, indispettisce la madre che, tuttavia, si rassegnerà a spartire l'uomo con la figlia.
L'entrata in scena di Rosina, un'amica coetanea di Graziella, sconvolge nuovamente il precario equilibrio. Giuseppe tradisce madre e figlia con la nuova arrivata e tanto basta perché Caterina impugni la pistola e uccida l'antico fidanzato.
Il ruolo della ragazza doveva essere interpretato da Ornella Muti, poi sostituita all'ultimo istante da Jenny Tamburi, pare per volere di Lisa Gastoni.
Di Leo ha dichiarato: "Quando vide Ornella la Gastoni ebbe quello che a Roma si dice lo sturbo. Aveva ragione. Anche cinematograficamente. Bisognava prendere una ragazza meno sexy di quanto fosse la Muti, altrimenti Maurice Ronet sarebbe caduto nel peccato. Mentre giocate così, con la Tamburi, le scene di seduzione della ragazzina, poco appariscente ma con la forza dell'adolescenza, funzionarono molto meglio".
I giornali dell'epoca riportarono la notizia di un uomo che morì d'infarto assistendo al film

 

LA GOVERNANTE

Un film di Gianni Grimaldi. Con Vittorio Caprioli, Paola Quattrini, Agostina Belli, Martine Brochard, Turi Ferro, Umberto Spadaro, Lorenzo Piani, Christa Linder, Pino Caruso. Genere Commedia, colore 109 minuti. - Produzione Italia 1974.
Tratto da una commedia di Vitaliano Brancati. A Catania, in casa della famiglia Platania, giunge, in qualità di governante, una giovane ragazza francese: Caterina Leher. In questo nucleo familiare vivono l'anziano vedovo Leopoldo, suo figlio Enrico, sicilianamente impegnato in avventure exraconiugali, la nuora Elena, una svampita intellettualoide che si lascia corteggiare con discrezione dell'acre scrittore Alessandro Bonivaglia, tollerato frequentatore della casa, i due piccoli figli di costoro, serviti tutti fedelmente da un'ingenua ragazza: Jana. Sia Caterina che la famiglia Platania sono religiosi, ma di una religiosità tutta particolare. Caterina è "il peccato" non tanto perché educazione e natura l'hanno dotata di anomali istinti quanto perché tali istinti, mescolati ad un fanatico desiderio di rispettabilità la travolgono in un ingranaggio di compiaciuti rimorsi e distorte mortificazioni. Da questo comportamento di Caterina subisce danno Jana, che, in seguito ad una calunnia della governante, viene cacciata e rimandata al paese natio. Durante questo viaggio è coinvolta in un incidente ferroviario che le procura la morte. Assunta una nuova cameriera, Francesca, Leopoldo scopre la donna in intimi rapporti con Caterina. Costei, ottenuto il perdono di Leopoldo, venuta a sapere da questi della tragica morte di Jana, tenta il suicidio, ma viene salvata dall'anziano vedovo che non si perdona di aver spinto tanti anni prima, per eccesso d'intransigenza, la figlia adolescente a togliersi la vita.

VIRILITA'

Un film di Paolo Cavara. Con Marc Porel, Agostina Belli, Turi Ferro, Tuccio Musumeci, Anna Bonaiuto, Geraldine Hooper. Genere Commedia, colore 92 minuti. - Produzione Italia 1974.
Don Vito, industriale del pesce in scatola in un grosso borgo della costa sicula orientale, ha divorziato dalla moglie e si è sposato in seconde nozze civili con Cettina, una bella giovane impiegata. Oltre a questo, vanta la sua virilità in paese e lo dimostra insidiando insistentemente le ragazze del suo stabilimento. Dopo tre anni di studi in Inghilterra, torna al paese, festeggiatissimo, il figlio Roberto che conduce con sé una ragazza inglese, sua amante che sembra un maschio nonché un ragazzo dalle sembianze femminili. Secondo le tradizioni, Don Vito e il farmacista Don Bartolo, si accordano per dare in sposa a Roberto Lucia. Ma il ragazzo, rifiutandola e facendosi vedere accanto all'equivoca inglesina, si guadagna la fama di invertito. Nel frattempo Roberto e Cettina si innamorano e tradiscono Don Vito. Dileggiato in paese come padre di un figlio privo di virilità, il disperato Don Vito non trova di meglio che pubblicizzare la relazione della moglie col figlio e concedere ai due la propria benedizione per le Nozze.

Una Cinecittà sotto l'Etna: il Cinema a Catania nei primi decenni del Novecento

di Ignazio Burgio.

Tra il 1913 ed il 1916 a Catania non solo vennero girati "kolossal" del cinema muto che fecero molto effetto all'epoca, ma sorsero anche diverse case cinematografiche, come l'Etna Film, la Katana Film, la Sicula Film, e la Jonio Film. Anche il commediografo Nino Martoglio con una sua casa di produzione, la Morgana Film, insieme al grande attore Giovanni Grasso, produsse pellicole che divennero delle pietre miliari nella storia del cinema internazionale. Poi quella breve stagione d'oro improvvisamente finì...

Al tempo in cui i Fratelli Lumière a Parigi davano le prime proiezioni pubbliche della loro straordinaria invenzione (la prima delle quali fu tenuta il 28 dicembre 1895 al Salon Indien del Gran Cafè), la città di Catania stava vivendo una prospera stagione, sia economica, ma ancor di più culturale. L'industria di raffinazione dello zolfo (di notevoli dimensioni, come ancora testimoniato dalle alte e numerose ciminiere che ne rimangono), le molteplici industrie alimentari ed il commercio degli agrumi, alimentavano il traffico di navi mercantili dell'attiguo porto, complice anche il favorevole periodo di espansione economica internazionale, ed il comodo accesso al Mediterraneo tramite il canale di Suez.
Ma quelli erano anche gli anni in cui vivevano e scrivevano Giovanni Verga, Luigi Capuana, Federico De Roberto ed il commediografo Nino Martoglio, solo per citare gli autori meglio conosciuti. Tanto i salotti quanto i teatri di Catania erano ben frequentati da personalità colte e benestanti che si preoccupavano di tenersi ben informate su tutto quanto accadeva di nuovo, non solo in città ma anche nel resto del mondo: e ciò non solo per far bella figura in società ma anche per sfruttare nuove occasioni di affari.
Non deve sorprendere pertanto se già nei primi mesi del 1896, appena poco tempo dopo cioè le notizie sulle prime proiezioni parigine, un tal “Salvatore Fichera di Catania” fece pervenire in Francia la richiesta di “comprare il cinematografo o di essere informato sull'apparecchio” (come per la verità fecero anche altri in Italia). Ma in realtà nella città etnea dovevano già essere parecchi i primi appassionati cinefili, dal momento che per l'anno successivo (il 1897) sono già documentate non solo le prime proiezioni di ambulanti che girovagando di piazza in piazza allestivano alla bella e meglio quello strano spettacolo, ma anche le prime vere riprese amatoriali di Catania. Al 1897 appartengono infatti degli spezzoni di “Vedute di Messina e di Catania in movimento”, ad opera di appassionati di cui purtroppo si è perso il nome, mentre contemporaneamente già il 24 gennaio dello stesso anno, Nino Martoglio sul “D'Artagnan”, giornale satirico da lui fondato nel 1891, esprimeva i primi entusiastici commenti sotto forma di dialogo: “Li civitoti a lu cinematografu”. Sempre nel medesimo anno è documentato, nella notte tra il 31 marzo ed il primo aprile, il furto di un apparecchio cinematografico ai danni di un tedesco, (apparecchio poi ritrovato e riconsegnato al proprietario) che come afferma Franco La Magna “fa assurgere il cinema agli onori della cronaca”. (La Magna, 1995).
Il crescente interesse dei catanesi per la nuova tecnologia (del 1898, ad esempio, sono altre due riprese amatoriali: “Passeggio alla Villa Bellini” e “Una ricreazione di bambini alla Villa Bellini”), spingono al “business”, e così già pochi anni dopo il Teatro Sangiorgi, appena inaugurato nell'anno 1900, ospita le prime proiezioni dei Fratelli Lumière, immancabilmente pubblicizzate con sincero entusiasmo da Martoglio sul suo giornale ("ingresso per pochi baiocchi!"). Il medesimo teatro diviene nel 1905 la prima sala cinematografica stabile di Catania, seguita poi dall'apertura di altre oggi non più esistenti, come il Cinematografo Mondiale, la Sala Italia, il Club Unione, ed il Cinematografo Moderno, distrutto da un incendio nel giugno del 1906 (ma riaperto a tempo di record nel settembre dello stesso anno con il nome di Lumière Moderno).

Le pellicole proiettate in quei primi anni nelle sale catanesi o erano di origine straniera (come i cortometraggi di George Mèliès, il primo inventore dei trucchi cinematografici) o prodotte da altre società cinematografiche sorte nel frattempo nelle maggiori città della penisola, come la Cines di Roma o la Ambrosio di Torino, che cominciarono a produrre le prime pellicole a soggetto storico o letterario: ad esempio “La presa di Roma” (1905), “Gli ultimi giorni di Pompei” (1908) o le due versioni dei Promessi Sposi che uscirono sempre nel 1908, una delle quali diretta da Giuseppe De Liguoro. La città di Catania comunque poteva già offrire se stessa ai primi suoi concittadini spettatori in documentari quali “Catania e la Circumetnea” delle Manifatture Cinematografiche Riunite di Napoli (1907), “Sua Maestà il Re all'Esposizione”, sempre del 1907, e la prima documentazione filmata - perlomeno a livello professionale – di una “Eruzione dell'Etna”, del 1909 (ambedue della Ambrosio).
Contemporaneamente però nello stesso periodo cominciavano ad essere prodotti – sempre da società della penisola - i primi film tratti da soggetti di autori catanesi: ad esempio, una prima versione di “Cavalleria rusticana” per la regia di Mario Gallo, interpretata dal grande attore catanese Giovanni Grasso (1908), una breve versione comica della Sonnambula di Bellini (dal titolo “La sonnambula del villaggio”, dei F.lli Pineschi di Roma, sempre del 1908), e due versioni della Norma nel 1911 (una della Vesuvio Film di Napoli, e l'altra della Film d'Arte Italiana). Anche Luigi Capuana venne messo in celluloide nel 1912 con il film “Malìa”, tratto da un suo lavoro teatrale ed interpretato dagli attori catanesi Attilio Rapisarda e Mariano Bottino. I medesimi due interpretarono sempre nello stesso anno un altro film interamente girato a Catania, “Feudalesimo o Terra Baixa”, (uno dei testi teatrali più rappresentati all'epoca, dello spagnolo Angel Guimerà) prodotto dalla Roma Film per la regia di Alfredo Robert.
Secondo alcuni inoltre già nel 1909 in un film girato anch'esso a Catania da una società romana, dal titolo “Il divo”, fece la sua prima apparizione il popolare attore catanese Angelo Musco, che fu autore di un curioso episodio (ma molto significativo, secondo qualche critico, delle nuove potenzialità comunicative del cinema). La scena, ambientata nel centralissimo mercato di Piazza Carlo Alberto (che a quanto pare al momento delle riprese non era stata trasformata in un “set”, ma era normalmente aperta al pubblico), prevedeva come da copione una finta lite con un mercante ambulante del posto, per poi essere immediatamente sedata da altri interpreti. Ma il giovane Angelo Musco malmenò talmente il malcapitato interprete che aveva di fronte da provocare anche una vera e propria rissa generale in tutto il mercato, cosa che lo costrinse ad una fuga così rocambolesca da danneggiare per di più una gran quantità di merce esposta sulla strada. La società romana per poco non finì in bancarotta a causa dei danni che fu costretta a pagare per tutte le stoviglie, il vasellame ed i prodotti alimentari distrutti durante la fuga, ma ciò che lasciò maggiormente sconcertati i dirigenti della società fu la giustificazione che diede loro il giovane Angelo Musco: voleva cioè rendere più realistica la scena al di là della consueta recitazione teatrale, imponendo a se stesso e all'attore che aveva di fronte di “vivere” la parte anzichè recitarla come sul palcoscenico (anticipando così di parecchi anni i teorici della differenza tra “recitazione cinematografica” e “recitazione teatrale” - cfr. Saitta, U., 1981, p. 53 e sgg.).

Intorno al 1912-13, insomma, i tempi sembravano ormai maturi perchè anche a Catania – così come ad es. già avvenuto nel medesimo periodo a Palermo – sorgessero le prime società cinematografiche locali, tanto più che una delle maggiori società di Roma, la già citata Cines, ospitava tra i suoi amministratori un rilevante numero di siciliani: il vice-direttore Carlo Amato, Pietro Moncada, conte di Caltanissetta, ed il principe di Paternò, che ovviamente non mancarono di orientare la produzione della casa cinematografica verso soggetti ed ambienti siciliani, nonchè catanesi.
La svolta avvenne nel 1913 per diversi motivi. Innanzitutto la medesima Cines rivolse la sua attenzione a Nino Martoglio, introdotto nella Società “siculo-romana” dall'attore catanese Attilio Rapisarda (perlomeno a quanto dichiarato da quest'ultimo). In quell'anno veramente d'oro per il commediografo di Belpasso vennero prodotti un buon numero di film tratti da alcuni suoi soggetti di genere drammatico. Il primo, dal titolo “Il romanzo”, la cui regia – secondo alcuni – sarebbe stata dello stesso Martoglio, venne interpretato nel ruolo di protagonista da Pina Menichelli, una bella attrice nata in provincia di Messina, che per il suo tipo di recitazione troppo “passionale” in questo ed in altri film incappò spesso nelle prime forme di censura da parte dell'allora governo Giolitti (oltre che in quelle della Chiesa che già dall'anno prima – perlomeno a Catania - aveva cominciato a far sentire la sua voce). A questa prima pellicola, sempre nel medesimo anno 1913, ne seguirono altre, sempre tratte da soggetti di Martoglio, quali ad esempio “Il gomitolo nero”, “Il tesoro di Fonteasciutta”, “Il salto del lupo o La castellana di Ninfa”.
Ma mentre la Cines di Roma coinvolgeva sempre più autori, attori, ambienti e naturalmente anche i sempre più appassionati spettatori di quella Catania “belle epoque”, un'altra casa cinematografica del Nord-Italia, la Itala Film di Torino, iniziò proprio nel 1913 le riprese di quello che rimane nella storia come il più grande kolossal del cinema muto, ovvero Cabiria, i cui esterni vennero girati anche a Catania. Diretto da Giovanni Pastrone e sceneggiato nientemeno che dal grande vate Gabriele D'Annunzio (che ne curò le didascalie per la considerevole cifra, per quei tempi, di cinquantamila lire), venne terminato l'anno seguente, raggiungendo (originariamente) la lunghezza di più di 4000 metri di pellicola ! (i film dell'epoca mediamente non superavano i 750 metri), per una durata complessiva di più di 4 ore.
Ambientato tra la Catania dell'età greca e l'antica Cartagine, narrava le vicende epiche di una bambina catanese - Cabiria appunto - che nella confusione seguita ad una eruzione notturna dell'Etna (i cui fotogrammi vennero colorati di rosso), subisce, nell'ordine, il rapimento, la vendita come schiava a Cartagine, ed il salvataggio in extremis da parte dell'eroe Maciste (nome inventato dallo stesso D'annunzio) mentre sta per essere sacrificata alle divinità cartaginesi. Alla fine, una volta cresciuta, sullo sfondo storico della lotta tra Annibale e Roma, riesce a riabbracciare il padre sulla spiaggia di Catania, rimediando nel frattempo anche un buon matrimonio con un ricco patrizio.
Costato due milioni di lire dell'epoca, e frutto di innovazioni tecniche che fecero scuola anche ad Hollywood (come la macchina da presa posta sul carrello, le lampade elettriche per la direzione delle luci, e le scenografie in legno, anzichè dipinte), “Cabiria” - uscito come già detto nel 1914 - si dimostrò a livello internazionale un vero evento per l'epoca, ed ebbe uno straordinario successo di critica e di pubblico, persino in America. A Catania fu uno dei pochissimi film proiettati al Teatro Massimo Bellini con l'ausilio dell'Orchestra Sinfonica che eseguì la “sinfonia del fuoco” composta per il film da Ildebrando Pizzetti.
Ma se nel 1914 il kolossal dell'Itala Film cominciava a mietere successi, già sul finire del 1913 il febbrile Nino Martoglio aveva tentato di dar vita ad una prima società cinematografica catanese, la Morgana Film, per poi tuttavia trasferirsi di nuovo a Roma e fondarne un'altra col medesimo nome. Mentre il 31 dicembre – quasi a voler sfruttare fino all'ultimo la magia di quell'anno così propizio – era già nata sotto il vulcano siciliano, la più importante società cinematografica catanese, la Etna Film.

La “Società Anonima Editrice di Films, Etna Films”, omologata dal Tribunale di Catania il 21 Gennaio 1914, venne fondata con un capitale sociale di 200.000 lire – divise in duemila azioni da 100 lire l'una – dal cavalier Alfredo Alonzo, imprenditore nel campo dello zolfo e nell'esportazione della frutta secca, nonchè azionista di una società di navigazione. Suo amico e fidato consigliere era Pippo Marchese, drammaturgo e critico teatrale. Deciso a non badare a spese pur di sfondare nel panorama cinematografico mondiale, per prima cosa fece venire da Milano una personalità già nota ed esperta, il già citato Giuseppe De Liguoro, in qualità di direttore artistico, regista – e a volte anche soggettista ed interprete – dei film di imminente produzione. Raccolse inoltre dal Nord-Italia e dall'estero, interpreti già famosi (come la francese Simone Sandrè), tecnici già esperti, e apparecchi e attrezzature un po' da tutto il mondo.
Ma come afferma Giusy Nicolosi in un suo articolo “...Quello che fece più effetto fu l’immenso stabilimento costruito in sei mesi seguendo i più moderni criteri e nel quale lavorarono, secondo le cronache, quasi 500 operai. "Sarà il più grande d’Italia !" scrisse su un periodico un attore scritturato dall’Etna. Tutti i corrispondenti visitarono quella "piccola città" e ne scrissero. Lo stabilimento sorgeva a Cibali [un quartiere di Catania, n.d.r.], su un perimetro di 23.000 mq e vi si accedeva da quattro entrate (sappiamo che una era adiacente alla stazione della Circumetnea tutt'ora esistente e un’altra in via Cibele). All’interno, oltre a quattro villini che ospitavano i vari uffici, vi erano numerose costruzioni. Un orgoglio per la Casa erano i due teatri di posa: il più “piccolo” di m 20 x 18 e il più grande di 26 x 30 (cioè circa 900 mq di ampiezza, capace di ospitare le riprese di quattro diverse scene in contemporanea !). Poi i camerini ed i saloni per gli attori e le comparse; un’officina per i fabbri, una per i falegnami e una per gli scenografi; la sartoria; i depositi del legname, delle scenografie, del “mobilio” e di tutto il necessario per la ricostruzione degli ambienti, "in quantità straordinaria, di tutti gli stili, le epoche, le qualità"; un garage, con cinque automobili ed un autobus, e una scuderia con cavalli e carrozze. Ma non è finita. "La capitale della pellicola siciliana", come la definì il direttore di un periodico milanese, disponeva anche dei laboratori tecnici per lo sviluppo, il lavaggio, la coloritura, la stampa, la revisione e il collaudo delle pellicole, e di una sala di proiezione "vasta ed elegante come quella di un gran cinematografo". Addirittura un corrispondente scrisse di un castello a grandezza naturale. Il tutto immerso nel verde, tra viali, pozzi, fontane, sedili, laghetti e piattaforme all’aperto, naturalmente tutto da utilizzarsi nei vari films...” (Giusy Nicolosi - "Etna Film, una Hollywood siciliana" - vedi bibliografia).
Nel dicembre del medesimo anno 1914 quella vera e propria "città del cinema" fece uscire i primi film: “Paternità” e “l'Appuntamento” (o “Rendez-vous”), drammi strappalacrime diretti naturalmente dal De Liguoro, e programmati anche nelle sale della penisola. A Catania essi vennero proiettati nell'elegante e prestigioso Cinema Olympia, in piazza Stesicoro, inaugurato l'anno precedente (il tanto promettente 1913 !) con un altro “kolossal” dell'industria cinematografica continentale, “Quo Vadis ?“ di Enrico Guazzoni.
Ma la possibilità di lavorare a più film contemporaneamente consentì all'Etna Film la produzione e l'uscita nel breve arco di pochi mesi di un numero considerevole di pellicole di tutti i generi, dalle comiche brevi (L'Istitutrice, Notte d'amore, La sportwoman, ecc. tutti del '14), ai film drammatici, come “La danza del diavolo” (forse già del '14), “La coppa avvelenata”, “Poveri figlioli !” , fino alle commedie (come ad es. Idillio al fresco) e a quelli di argomento militare (La guerra, Il nemico) tutti del 1915. Tutti riscuotevano grande successo e le loro proiezioni costituivano un vero evento. Le cronache dell'epoca raccontano che quando il già citato cinema Olympia proiettava pellicole dell'Etna Film, nell'antistante Piazza Stesicoro il numero di macchine e di carrozze era tale da bloccare tutta la circolazione. Alcuni titoli – Il cavaliere senza paura, Poveri figlioli !, Idillio al fresco – ricevettero anche l'onore di venir proiettati al Teatro Massimo Bellini (7 marzo 1915), durante una manifestazione di beneficenza. La società prese accordi anche con Luigi Capuana – che ricevette il compenso di ottocento lire – per la produzione di pellicole tratte dai suoi testi, ma in realtà non sembra siano mai stati girati i programmati film “Il Marchese di Roccaverdina” ed il “Benefattore” citati invece da altre fonti (cfr. La Magna, 1995, p. 27).
Ma la gigantesca società nel medesimo anno 1914 fece a quanto pare il passo più lungo della gamba, impegnandosi nelle riprese di un “kolossal” - Christus o la Sfinge d'Ionio - che nonostante il coinvolgimento di un elevato numero di attori e comparse in costume, l'ambientazione in esterni (nel mare di Ognina, alla periferia di Catania), e le ricche scenografie (venne costruita anche una nave antica) non riscosse un adeguato successo di pubblico. Questo, insieme contemporaneamente ad altri gravosi investimenti – come per la produzione del film in costume “Il cavaliere senza paura”, ambientato nel Medioevo – furono certamente all'origine della crisi contabile che insieme a tutti i problemi nazionali e internazionali provocati dalla Prima Guerra Mondiale, avrebbe purtroppo condotto all'improvvisa chiusura degli stabilimenti all'inizio del 1916.

Nello stesso anno 1914, intanto Nino Martoglio per conto della sua Morgana Film con sede a Roma, ebbe l'opportunità di girare le sue due prime pellicole, di tono più verista e naturalista rispetto ai lavori dell' Etna Film. Ambedue videro come protagonista il grande attore teatrale catanese Giovanni Grasso. Ma mentre il primo titolo, Capitan Blanco, girato ad Aci Trezza ed in Libia, non incontrò i favori del pubblico (probabilmente perchè il finale “poco tragico” finiva per snaturare la trama verista), il secondo, Sperduti nel buio, non solo riscosse all'epoca un grande successo, ma nei manuali della storia del cinema viene spesso definito una vera “pietra miliare”, in quanto considerato il primo film neorealista della storia.
“Sperduti nel buio, dal lavoro di Roberto Bracco, (definito “l'Ibsen di Piedigrotta”) impressionò talmente – con la sua tragica contrapposizione di due classi sociali drammaticamente a confronto, la dolente e tormentata figura del cieco Nunzio (simbolo del “buio sociale”) e della povera Paolina figlia abbandonata d'uno spiantato e nobile dongiovanni, la rappresentazione di una Napoli miserabile e cenciosa, sordida e maleodorante – da indurre gli storici e critici del cinema (primi fra tutti il severo acese Umberto Barbaro) a definire l'opera di Martoglio antesignana del realismo cinematografico; di essa si parlerà a lungo nel secondo dopoguerra quando, in piena stagione neorealistica, si esploreranno le deboli tracce della tradizione realistica. Tutto il cast ebbe una ovazione di consensi, sebbene, schiacciato dal vincente dannunzianesimo e dai kolossal storico-mitologici, il film viene presto dimenticato, godendo paradossalmente d'una esaltante gloria postuma...” (da: Cento anni di Cinema a Catania (1895-1995), di Franco La Magna, EDIPROM – P. 29. Si confronti anche l'articolo di Sarah Zappulla Muscarà, ricco di notizie circa i commenti della critica dell'epoca).
E' opportuno comunque ricordare che sia la protagonista femminile, Virginia Balistrieri, che il protagonista maschile, Giovanni Grasso, definito anche da molti critici internazionali come il più grande attore drammatico della storia, avevano già una solida esperienza di teatro verista alle spalle. In particolare la recitazione di Grasso, precisa ed accurata, ma anche fortemente carica di espressività drammatica, suscitava non solo le lodi della critica, ma anche l'entusiasmo delle platee di tutto il mondo, che andavano letteralmente in visibilio quando nelle parti di duello l'attore sembrava quasi “volare” sulla scena prima di piombare sull'antagonista mordendolo alla gola o piantandogli la coltellata finale. Celebre il commento del russo Mejerchol’d: “Mi resi conto di numerose leggi della biomeccanica vedendo recitare il magnifico attore tragico siciliano Grasso”. Il film “Sperduti nel buio” tuttavia è andato perduto durante la seconda guerra mondiale e di esso resta solo qualche raro fotogramma.
Al 1915 appartiene invece il terzo ed ultimo film di Martoglio, Teresa Raquin, la cui trama, tratta da un romanzo di Emile Zola, verte su di un tema poi divenuto classico nella successiva storia del cinema, quello del drammatico triangolo moglie-amante-marito e la tragica fine di quest'ultimo. Di lì a poco tuttavia il produttore della Morgana Films, Roberto Danesi muore in guerra, sconvolgendo forse oltre che il morale anche i progetti dello stesso Martoglio. I suoi intenti erano infatti quelli di girare altri film a carattere drammatico e verista di autori di un certo rilievo. Sin dall'inizio del '14 aveva invitato anche Verga ad ideare un soggetto per "una film" dichiarandosi disposto a sceneggiarlo lui stesso in maniera speciale. Anche Pirandello (intimo amico di Martoglio) in una lettera piena di entusiasmo si era dichiarato d'accordo circa le sue scelte rendendosi anche disponibile a partecipare lui stesso ("...non potrei fare qualcosa anch'io ? Avrei tanti e tanti argomenti di qualunque specie..."), e scrisse un soggetto che però non venne mai convertito in celluloide. Andata già in crisi nel 1915, ufficialmente la Morgana Film verrà poi sciolta nel 1918.
Detto per inciso, l'unica nota dissonante nel panorama intellettuale catanese era in quegli anni quella di Giovanni Verga al quale non erano affatto piaciute le prime riduzioni cinematografiche della sua “Cavalleria Rusticana” (alcune delle quali anche comiche). Ma in realtà le sue riserve culturali nei riguardi del cinema non gli impedivano nei fatti di collaborare con esso. Pressato infatti dalle insistenti richieste della sua compagna, la contessa Dina Castellazzi di Sordevolo (in crisi finanziaria), già dal 1912 stava lavorando insieme a lei in gran segreto per sottoporre alla cinepresa alcuni suoi testi, quali “Storia di una capinera” e “Caccia al lupo”. Ma per strana ironia della sorte, a nessuno di questi soggetti verrà dato un solo colpo di manovella – tanto meno da una società cinematografica catanese - fino al 1917.

Sull'onda del successo dell'Etna Film vennero fondate in quel periodo altre tre società cinematografiche catanesi: la Katana Film, la Jonio Film, e la Sicula Film, dell'avvocato Gaetano Tedeschi dell'Annunziata. Tra il 1915 ed i primi mesi del '16 sfornarono un certo numero di pellicole di vario genere – comico, satirico, militare, ecc. - coinvolgendo interpreti già famosi nell'ambiente teatrale o che lo sarebbero diventati negli anni successivi dopo la breve e gloriosa stagione del cinema etneo: ad esempio i due “divi” di allora Mariano Rapisarda ed Attilio Bottino che interpretarono alcune pellicole della Sicula Film (“Alba di Libertà”, “Presentat-arm!”, ambedue del 1915, ed “Il vincolo segreto”, del 1916); la moglie dell'attore Angelo Musco, Desdemona Balistrieri, che fu tra gli interpreti del film “Il latitante” della Katana Film (1915), e Rosina Anselmi in “Per te amore” sempre della Katana Film (1915).

Ma improvvisamente all'inizio del 1916 - come già accennato - quella breve stagione d'oro per la cinematografia catanese svanì insieme a tutti i sogni di gloria internazionale. Travolta dalla crisi finanziaria, e forse (come suggerito da Giusy Nicolosi) anche da forti contrasti in seno al suo consiglio d'amministrazione, la Etna Film prese la decisione di chiudere la sua attività insieme a tutte le sue imponenti strutture (forse già entro la fine del gennaio 1916). Questo certamente significò anche per tutte le altre società più piccole l'impossibilità di continuare a girare altre pellicole, poichè – a quanto sembra – ad essa si appoggiavano per tutti i servizi di sviluppo dei negativi e talvolta anche per le riprese nei suoi teatri di posa. In una lettera datata 4 febbraio 1916 infatti l'amministratore della Sicula Film, Gaetano Tedeschi dell'Annunziata si lamentò col cavalier Alonzo medesimo della sua improvvisa decisione di chiudere gli stabilimenti.
In realtà la crisi delle società cinematografiche catanesi – e la fine definitiva di ogni ulteriore tentativo, anche dopo il 1918, di riavviare una produzione cinematografica locale – era anche una crisi a livello nazionale, determinata sì certamente dalle difficoltà prodotte dallo scoppio della guerra, ma anche da una pessima gestione amministrativa delle risorse e degli investimenti. Sull'onda dell'entusiasmo delle platee che affollavano i nuovi cinematografi i produttori si buttavano spesso a girare film costosissimi – soprattutto dal punto di vista tecnico, dal momento che a quei tempi - a parte i "divi" - attori e comparse non ricevevano alti compensi – che però non davano il sufficiente ritorno economico. Gli storici del cinema sottolineano come già nel 1914 tutte le maggiori società cinematografiche italiane fossero in perdita. Così come viene evidenziata anche la miopia dei politici di allora che vedevano nel nuovo mezzo mediatico più un pericolo per la morale dell'epoca che una risorsa culturale da sostenere, anche finanziariamente, nei periodi di crisi.

Paradossalmente, comunque, proprio mentre a Catania tramonta nel 1916 il sogno hollywoodiano di sviluppare una “Cinecittà” ante litteram ai piedi dell'Etna (Film), Giovanni Verga fa finalmente il suo ingresso ufficiale nel mondo della “settima arte” (o “decima musa” che dir si voglia). E' quanto vedremo prossimamente su questi monitor !

da www.cataniacultura.com

CHE FINE HA FATTO IL PIU' GRANDE CAPOLAVORO DEL

CINEMA MUTO, “SPERDUTI NEL BUIO” DI NINO MARTOGLIO ?
di Ignazio Burgio.

E' poco noto che il poeta e commediografo siciliano Nino Martoglio fondò a Roma una Casa Cinematografica e girò tra il 1914 ed il '15 almeno 3 film muti. Uno di questi, “Sperduti nel buio”, interpretato dal grande attore catanese Giovanni Grasso e dall'attrice drammatica Virginia Balistrieri, viene tuttora considerato un capolavoro del cinema internazionale, in quanto fu il primo film “neorealista” (o meglio “verista”, come allora si diceva) nella storia del cinema. Alla sua trama, alla sua sceneggiatura, e finanche al suo montaggio innovativo, frutto della genialità di Martoglio, si ispirarono sia i grandi registi di Hollywood come Griffith e Chaplin, sia i celebri cineasti russi come Pudovkin ed Eizenstein. L'unica copia del film conservata a Roma fino al '43 andò tuttavia smarrita durante le vicissitudini della guerra. Questo articolo vuole anche essere una base di notizie utili a ritentarne la ricerca ed il suo ritrovamento, in qualsiasi parte del mondo.

vedi il resto qui

http://www.cataniacultura.com/136-sperdutinelbuio.htm

Un secolo di cinema a Catania

di Raffaello Brullo (cataniaperte.com)

Gli inizi della cinematografia a città di Catania hanno rappresentato un’importante espressione di quel verismo che aveva messo in luce aspetti sociali e umani della realtà siciliana a cavallo tra Otto e Novecento caratterizzati da una condizione di estrema emarginazione e sofferenza delle classi svantaggiate.

Questa osservazione minuta della realtà e del comportamento dell’uomo in determinate situazioni storiche e sociali , pur nelle secche di un clima espressivo condizionato dagli schemi ideologici del tempo, costituì un elemento risolutamente nuovo nel contesto di una produzione dominata da finalità propagandistiche di sostegno ai gruppi egemoni e alla loro visione del mondo.

Si cominciò a parlare di cinema a Catania ai primi del ‘900 e Martoglio ne fu un capostipite. Fu allora che sorsero parecchie case di produzione, come la Morgana Films, la Jonio Films e L’Etna Films, che fu la prima impresa cinematografica cittadina e produsse un centinaio di films di circa 1500 metri, che oggi rappresentano la normalità come lunghezza , ma per quei tempi erano un lusso. Ricordiamo alcune pellicole che segnarono la storia cinematografica catanese: "Il Benefattore", "Il Marchese di Roccaverdina", "Capo Rais", diretto da Nino Martoglio e interpretato da Giovanni Grasso, "La guerra", "La paternità", "Il Nemico", "Patria Mia" e moltissimi films comici che a quel tempo costituivano la grande maggioranza.

Nel variegato panorama cinematografico catanese la figura più rappresentativa fu Nino Martoglio, che esordì nella veste di regista con il film : "Sperduti nel buio".

Il tardo verismo rappresentato dai films di Martoglio, attento ai fattori caratteristici del linguaggio popolare, utilizzava motivi contenutistici di certa produzione Italiana contemporanea che rientravano nel clima di riscoperta dell’uomo e del dramma quotidiano dell’esistenza. A questo proposito ricordiamo "Capitan Blanco", prodotto dalla Katana Films, dove il regista trae spunto dalla rappresentazione teatrale "Il Palio" , avente per protagonista Giovanni Grasso e Virginia Balistreri.

Ai primi del 900 si ebbe il primo esperimento di cinema scolastico per merito di Stefano Cremonesi che pose in rilievo l’utilità didattica del cinema. Venne aperto in Via Spadaro Grassi, il cinema "Lumiere"(oggi non esiste più) dove si proiettavano pellicole con fini educativi e documenti di viaggi, che però non riscossero molta simpatia. Poi le vicissitudini della prima guerra mondiale frenarono per qualche tempo questi primi esperimenti di cinematografia.

Sono comunque le esperienze cinematografiche di Musco e della Anselmi, che non resistono al fascino dello schermo, a portare vera linfa espressiva al cinema catanese. Opere come "S.Giovanni Decollato" , "L’aria del Continente", "Gatta ci cova" e altre accrescono decisamente il prestigio del cinema catanese in ambito nazionale. Nel 1948, dopo alcuni isolati tentativi, Luchino Visconti sbarcò ad Acitrezza con la sua troupe e girò un capolavoro del cinema neorealista, con attori presi dalla stessa località e ispirato al romanzo di Giovanni Verga "I Malavoglia".

Il successo fu immediato e l’eco che ne ebbe Visconti fu a carattere internazionale, compresi i premi. Poi, smaltita la sbornia per questa improvvisa celebrità ci fu una lunga fase di quiescenza della cinematografia di produzione o ambientazione siciliana. Ma a cavallo tra gli anni ’60 e ’70 si verifica un deciso risveglio  con un meraviglioso scenario da sfondo: Via Crociferi, con l’esaltazione del suo bel barocco settecentesco e con la presenza di tanti uomini di cultura catanesi. Tra questi Vitaliano Brancati ed Ercole Patti, scrittori catanesi emigrati a Roma, entrambi con una forte carica letteraria di sensualità che trovava risonanza negli inizi del filone erotico cinematografico.

Se per Brancati il sesso era tortura dei sentimenti, per Patti fu qualcosa di estroverso e mondano sia pure a volte venato di languore e nostalgia. Fu proprio dai racconti di questi scrittori catanesi che parecchi registi di grande spessore come Luigi Zampa, Mauro Bolognini, Alberto Lattuada, Marco Vicario, trassero sceneggiature realizzate nel meraviglioso scenario etneo.

Si tratta di film famosi come "Il bell’Antonio", con Marcello Mastroianni e Claudia Cardinale (Bolognini), premiato con la Vela d’oro al Festival di Locarno nel 1960, "Don Giovanni in Sicilia" (1966, A. Lattuada), "Paolo il Caldo" (1973, Marco Vicario) , "La governante" (1974, Gianni Grimaldi) protagonista il grande Turi Ferro, "Un bellissimo novembre" (1969, M. Bolognini) tratto dal romanzo di Ercole Patti con Gina Lollobrigida e Gabriele Ferzetti e l’Etna a fare da sfondo alle passioni, "Virilità" di Marco Cavara del 1973 prodotto da Carlo Ponti con Turi Ferro e poi "La seduzione" di F. Di Leo prodotto nel 1973, con Agostina Belli e Marc Porel.
Ercole Patti era rimasto così legato a questo ambiente cinematografico da scrivere i suoi libri con l’occhio sempre fisso sullo schermo e il cinema lo aveva ripagato facendo rivivere i personaggi descritti in "Giovannino", "La cugina", e il già citato, "Un bellissimo novembre" sul grande schermo.
Patti aveva due appuntamenti annuali fissi, a Venezia, al Festival del Cinema, e a Taormina, al San Domenico. Amava avere contatti con gente della sua terra, confrontarsi con loro, parlare in dialetto. Poi con la sua morte sembrò calare un velo su quella Sicilia piena di sogni, di passioni, di amori fantasticati nelle lunghe discussioni pomeridiane, nel glorioso Caffè Italia dietro la statua di Garibaldi.

Passato questo momento, che definirei splendido per Catania, pieno di idee, di uomini,di buon gusto, ci furono diversi tentativi di cinematografia.
La Wertmüller mise in evidenza i temi della emigrazione, dell’industrializzazione del Nord con manodopera siciliana nel film come "Mimì Metallurgico" con Giancarlo Giannini e Mariangela Melato, "Mimì Metallurgico ferito nell’onore", "Malizia" con la bellissima e provocante Laura Antonelli, un impareggiabile Turi Ferro e l’eccellente Alessandro Momo, allora giovanissimo, che scomparve prematuramente qualche anno dopo.

La città negli anni Ottanta, soprattutto Via Crociferi, fece da sfondo all’opera di Franco Zeffirelli, tratto dal romanzo di Verga "Storia di una Capinera" dove ancora una volta vennero esaltate le atmosfere dilatate e i paesaggi tipici dell’agro catanese.In fondo Catania, con i suoi sogni e i suoi desideri inespressi, ha dato un importante apporto al cinema Italiano, al Neorealismo, al mito della Sicilia, dove i personaggi presi isolatamente, potrebbero apparire seri, o addirittura drammatici, ma bastano una battuta e una rapida inquadratura del contesto a svelarcene l’intrinseca comicità, il fondo farsesco.

Ma non possiamo chiudere questa breve storia della cinematografica catanese senza aver ricordato il nostro straordinario Leo Gullotta, -cui dedicheremo un capitolo a parte- interprete di successo di ruoli e generi diversi: dal teatro, dove ha iniziato a fianco di grandi maestri quali Salvo Randone e Turi Ferro, al cinema –con le interpretazioni in "Cafe Express”, “Mi manda Picone", "Il camorrista","Nuovo cinema Paradiso","La scorta”, “Un uomo per bene”, con ruoli anche drammatici che hanno commosso il pubblico; al cabaret e al varietà, con l’irresistibile e popolarissimo personaggio della signora Leonida.

Lui ama spesso definirsi “l'operaio dello spettacolo", un uomo che ha contrastato le insidie dell'industria cinematografica perché capace di conquistare ogni tipo di pubblico, con i suoi travestimenti, la farsa e le sue maschere indossate solo nel piccolo schermo.

Angelo Musco

Tiziana Lodato

Antonio Catania

Pippo Pattavina

Le sale storiche

I cinema allora si chiamavano anche "Vittoria", "Delle Rose", "Sanfilippo", "Europa", "Apollo", "Ideai Gangi", "Astoria", "Concordia", "Archimede", "Dora", "Imperiale", "Eliseo", "Esperia", "Giardino", "Trento", "Borgo", "Splendor" ed erano sale ed arene dove ci si andava tranquillamente e senza timori di essere coinvolti in spiacevoli situazioni. Negli anni '60 al "Mirone" si organizzarono pure incontri di pugilato. Nei cinema all'aperto, fra un tempo e l'altro, passava il venditore di calia, simenza e sciampagnette; sui banconi dei bar facevano bella mostra ceste colme di gelsomini; e si affittavano financo cuscini per chi volesse il popò più comodo, cuscini che inevitabilmente, alla fine dell'ultimo spettacolo, qualcuno tirava scherzosamente all'amico. Usciti dal cinema era d'obbligo 'prendere la pizza" oppure gironzolare per la città, che allora si ripopolava, ritornava frenetica come a mezzogiorno...
Allorquando, studente, pensavo di "caliarimi" le lezioni, perché-attratto da una bella giornata o perché preferivo una bella-passeggiata alle impreparazione scolastiche, "vota o furria"
decidevo spesso e sovente di andare a fare, con un paio di amici, una bella partita a carambola dal "Maresciallo", nei locali-attigui al cinema "Sala Roma" di via Etnea.
Pur essendo stato inaugurato nel lontano settembre del 1913, il complesso faceva ancora bella mostra di sé, perché il suo ideatore, l'architetto Paolo Lanzerotti, aveva saputo conferirgli nei mille dettagli decorativi, nella appropriata disposizione delle tinte, nella sapiente ripartizione delle luci, un insieme quanto mai originale e perfetto. Gli era stato dato il nome di "Cinema Hall" e soltanto il 4 dicembre del 1932, in pieno periodo fascista, venne chiamato "Sala Roma".

E con questo nome, nostalgicamente lo ricordo: unitamente alle lunghe partite di carambola, alle sovente "steccate" che non solo provocavano strappi al tappeto verde (che noi ragazzi poi ingenuamente cercavamo di rappezzare facendo combaciare quanto meglio si poteva il "sette" provocato) ma anche potevano far sì che la biglia impennata uscisse dal balcone, nonostante la rete di protezione, e andasse a finire sotto, in via Etnea, sulla testa di qualche malcapitato passante.

Poi un brutto giorno vidi lo stabile ingabbiato ed indifeso: avevano deciso di abbatterlo per fare posto ad  un moderno casermone, che venne dannunzianamente chiamato "La Rinascente", e che risultò in seguito un pugno nell'occhio, circondato com'era da nobili ed antichi palazzi settecenteschi. Mi dissero che il progresso doveva andare avanti; ma io ragazzo non volli capire e mi rifiutai categoricamente di accettare quella che mi sembrava una ingannevole giustificazione.
Era il 17 giugno 1957: quel giorno diedi un mesto e nostalgico addio al vecchio e glorioso "Sala Roma", e un po' di me stesso lo lasciai tra la polvere delle sue macerie...
di Zino Motta
Tratto da "A Catania con amore" di Aldo Motta - Edizioni Greco

C'era una volta il Miramare

di MImmo Rapisarda

C'era, c'era.... eccome se c'era.

Fra qualche anno diremo così anche per questo altro pezzo di "quella" Catania che se ne va. C'era una volta, come c'era una volta il Diana, il Roma, l'Archimede e tanti altri. Demoliti da poco nobili interessi che niente hanno a che vedere col cuore degli ultimi nostalgici, come me. Dico questo perchè, forse, non riusciamo ad accorgerci che nella vita tutto fa parte di un ciclo e il ricambio naturale delle cose che perdiamo è una cosa normale. Però, a volte ci arrabbiamo per come accade questo ricambio.

Sfido qualsiasi catanese al di sopra dei Quaranta a dirmi che non c'è mai stato. Parlo di almeno una serata alla mitica arena Miramare, a Guardia Ognina.

Architettonicamente era spartana, mediocre, direi scadente, addirittura fetiscente. Più che un cinema sembrava una masseria. Ma era decisamente il posto, in cui un inconsapevole genio dell'urbanistica pensò di collocarla, che la rendeva strategica. Un posto fantastico, quando ancora i suoi metri quadrati non valevano l'oro di oggi!

Situata sul cono della collinetta che si affaccia sulla baia di San Giovanni Li Cuti, era incastonata su di essa come un gioiello, visibile anche dal lungomare. L'ingresso si trovava su Via Messina; si pagava alla cassa che sembrava un confessionale in versione balneare e poi si entrava attraversando una stradina in discesa verso la grande fossa naturale nella quale era stava ricavata l'arena, al fresco.

All'entrata era già uno spettacolo perchè vedevi subito l'orizzonte del mare di fronte, che prima del film offriva straordinari Trailers colorati di azzurro celeste, rosa, indaco, violetto. Già questa sensazione ti rilassava e ti faceva stare subito bene, aggiungiamoci l'improvvisa frescura, gli odori, il canto dei grilli in amore e il gioco era fatto. Quel viottolo, tempestato di colorate piante di fichidindia, pergolati di vite canadese e cascate di glicine, ciclamini e gelsomini, costeggiava sulla sua sinistra un orto i cui profumi ti ricordavano perfettamente in quale luogo del Mediterraneo ti trovavi, qualora l'avessi scordato per un attimo.

Quante generazioni di catanesi sono passate da quel cancello! Intere famiglie, ragazzi, studenti, gente sola o accompagnata, "picciriddi cunnuteddi" che durante le proiezioni le prendevano di santa ragione, fidanzatini con genitori a carico che li sorvegliavano alla distanza di un metro, signore in gravidanza che si riparavano dal caldo di casa, tutte ci sono passate.

Anche intere comitive che erano lì per ben altri scopi: fare farsa! Con gli amici, qualche sera, d'estate si andava al Miramare.

Già forniti di panini con parmigiana o caponatina, stavamo seduti a tre a tre in due file. Durante la visione si sgranocchiava di tutto e si bevevano le bibite gelate. E' chiaro che il film non lo vedeva nessuno perchè il tempo scorreva mangiando, parlando, sparlando, scherzando, ridendo, raccontando, incantandoci su spalle fin troppo abbronzate e incrociando occhi ammalianti che davano appuntamenti a quelli nostri durante le luci dell'intervallo.

Un altro passatempo: scommettere sui gechi poggiati sullo schermo, sceglierne uno e vedere quanto tempo impiegava per arrivare sul cappellone di Paul Newman. Il padrone della "zazzamita" che arrivava al traguardo aveva diritto a una birra gelata.

Quando si esagerava, arrivava puntuale "shhh!!! Salenzio!".

Una sera stavano proiettando il film "Amore per sempre" con Mel Gibson (un aviatore è innamorato di una ragazza .... purtroppo un giorno lei ha un incidente ed entra in coma, lui non riesce a sopportare questo e grazie a un inventore si fa ibernare nell'attesa che lei guarisca..ma qualcosa va storto e rimane ibernato per 50 anni. Quando si risveglia riesce a ritrovare la sua amata che nel frattempo era diventata pure nonna, ma che non aveva mai dimenticato quel ragazzo che scomparve all'improvviso). Ebbene, i due protagonisti sono in cima a una collina stile "Cime tempestose", le prime parole che lui dice sono: "Jane, finalmente ti ho ritrovata, adesso sono qui... c'è qualcosa che vuoi dirmi?". Lei è un po' titubante, ma non fa a tempo a rispondergli perchè la sua risposta arriva, bruciante, dalle ultime file: ..... "A unni a statu?" .

Naturalmente risata generale, come sempre, come ogni sera in quel posto magico. Sbaglio, o ci trovate qualche assonanza con le scene di un famoso film di Tornatore?

Ma poi, dopo tutto, chi se le li vedeva i film con l'altra pellicola che avevamo alla nostra destra? La luna che guardava a scrocco mentre luccicava e abbagliava un mare che faceva altrettanto; qualche nave passava con tutte le luci accese, la brezza marina che per invidia saliva anch'essa fino a noi per stordirci. Ma noi, che eravamo già ubriachi di forti odori di menta, basilico, zagara dei giardini vicini; noi, con la giacchettina di cotone sulle spalle e lucidi di spray antizanzare; noi, seduti su quelle scomode sedie in ferro verniciate di verde e di ruggine; noi, sepolti da scorze di noccioline, abbiamo sempre saputo di questi regali che la Natura ci ha fatto e per decenni abbiamo sempre detto Grazie! Abbiamo respirato, annusato e goduto di tutti i frutti offerti dall'Arena Miramare. Ma avremmo pagato anche il doppio del biglietto per stare lì.

Almeno una volta nella sua vita, ogni catanese ha oltrepassato quel cancelletto per vedere Maciste, Totò o Tom Cruise. Chi per rilassarsi, chi per abbordare, chi per sfiorare, chi per la soddisfazione di alzarsi gonfio come un palloncino per vie delle gazzose consumate. Chi, infine, per trovare il coraggio di dirle "ti amo" con la complicità del posto.

Alla fine, sollevati a dieci centimetri da terra, risalivamo quella stradina con tre etti in più e qualche atmosfera di troppo nello stomaco. Uscivamo sulla strada, avvertendo subito il caldo e il repentino cambio di temperatura: da 20 a 36-37 gradi!. Via le giacchette di cotone.

Le strade di Guardia e Picanello, a quell'ora sono ancora vivaci, sveglie. In quei quartieri soffocati dal caldo umido e dall'afa catanese in agosto, si sentivano le nostre voci: chi sfotteva a destra e chi a sinistra. Le nostre risate sguaiate per chi, ancora impressionato dal film, imitava Franco Nero o per chi, ancora impaurito da L'Esorcista, si faceva accompagnare a casa.

Il rumore delle nostre ciabatte ci trascinava per le strade eternamente bucherellate di Picanello mentre folate di vento caldo sollevavano dai marciapiedi quintali di scontrini fiscali (autentici e fasulli) e offerte imperdibili nei supermercati. Guardando in alto, piccoli bagliori rossi si ravvivavano ad intermittenza, al buio di precari balconi; oppure scivolavano in basso al pianoterra a forma di serpenti fumosi sedendosi sulle sedie di legno e paglia, sul marciapiedi davanti casa. Tutti, tutti a godersi un po' di fresco ristoratore all'aria, lontani dalle mura di pietra lavica e intonaco rosa, ancora calde perchè cotte a puntino dal sole pomeridiano del ponente etneo. E' gente che va tardi a letto sapendo già di non poter dormire per il caldo, che si gode l'ultima ventata che producono le alghe del golfo di Ognina. Gente che si attarda fuori sparlando senza pietà di nuore, generi, compari e consuoceri, che pensa già alla spesa che dovrà fare l'indomani: i pomodori freschi, il basilico, le melanzane, la ricotta salata, la pescheria, la "minnulata" al carrettino 'Don Tino-Coni con panna-Gelati-Granite'.

Sì, ma al chioschetto del Miramare tutto era più solleticante, aveva un altro effetto... era gassoso, ghiacciato! Eppure era tutto uguale! Chi se lo dimentica quel piccolo bar? Stava dietro le ultime file, tipico da arena estiva: semi di zucca, gazzose, bibite, patatine, ecc. Negli ultimi tempi lo prese in gestione un tipo freakettone, con mille tatuaggi sulle braccia, un'infinità di borchie e un abbigliamento alla Fandango. Aveva tappezzato il locale con i poster dell'Harley Davidson, di James Dean e di altri miti che gli andavano a genio. Per aprire la saracinesca del bar arrivava a metà del primo tempo, col frigo ancora spento. Le gazzose, via via, cominciavano a diventare sempre più calde, sempre più calde. Erano segnali premonitori, erano i tempi che stavano cambiando, era la fine imminente.

L'ultima stagione, infatti, fu nel 2002. Nell'anno successivo i proprietari del terreno sul quale sorgeva l'arena lo mise in vendita a fini edilizi. Assieme ad altri lettori, in quell'anno protestai su La Sicilia esortando l'Amministrazione comunale a non concedere la concessione sull'imminente disastro che si stava per compiere perchè consideravo quel luogo un patrimonio storico della città e che, per il suo valore affettivo, apparteneva un po' a tutta la cittadinanza. Smantellarlo significava distruggere una pietra miliare che era elemento componente e integrante del fascino ogninese. Andava invece acquisito, salvaguardato e rivalutato.

Tutti sappiamo, invece, com'è andata. Se il Comune avesse acquistato il terreno, avesse bonificato e ristrutturato l'arena e l'area circostante per farci magari un Centro culturale, questa amministrazione sarebbe stata ricordata a vita dai suoi concittadini. Purtroppo, oltre a non avere il minimo interesse ad essere ricordato, chi ci governa non è nemmeno catanese e certe cose non potrà mai capirle. Speravo in un suo romantico ricordo di quando era studente nell'Ateneo catanese e che la rimembranza di un bacio galeotto regalato furtivamente alla collega di corso, davanti a quello di Cary Grant e Ingrid Bergman in "Indiscreto", lo avesse fatto redimere. Niente, solo parole al vento.

Fra le arene, avevano già chiuso il Delle Rose, la Terrazza Cavallaro, il Sanfilippo. Sono rimaste ancora l'Argentina, l'Adua e qualche altra ancora, che battagliano ogni sera con un nemico molto più agguerrito, molto più organizzato di loro; un nemico che la sera inchioda tutti noi alle nostre poltrone, con il condizionatore acceso e che non ci fa uscire da casa impedendoci di capire cos'è davvero un cinema all'aperto, o perlomeno stare fuori di casa a vedere la gente: il principale cast della pellicola di ognuno di noi. Quel nemico si chiama Televisore, con tutti i suoi tecnologici aspetti e la sua immensa offerta giornaliera, ma che alla fine ci fa sentire più soli.

Purtroppo, la fine di una delle cose più amate e ricordate a Catania è già sancita. Oggi le ruspe ci lavorano per creare un lussuosissimo casermone, con una vista sul mare tutta saccheggiata dalla cassapanca delle nostre notti d'agosto.

Ci sono passato l'altro ieri e sono entrato fin dentro al cantiere. Con un piccolo groppo in gola, ho visto quei dinosauri estirpare dalle voragini di terra tonnellate di baci, carezze, schiaffi, sguardi, dichiarazioni d'amore, tutti appartenuti alla gioventù catanese. Ho pensato per un attimo al Nuovo Cinema Paradiso e mi sono sentito come Salvatore quando, dopo i funerali dell'amato Alfredo, assiste alla demolizione dell'oggetto dei suoi desideri di quand'era adolescente.

Mentre scrivo l'arena non esiste più. Il Miramare ha già proiettato il suo ultimo "The End" sul bulldozer che gli ha dato il colpo di grazia, facendo la stessa fine del Cinema Paradiso.

Come tanti suoi spettatori che non ci sono più, ormai appartiene al firmamento dei nostri ricordi. E' uscito di scena come fece Totò in un celebre film che abbiamo visto tante volte sul quel magico rettangolo dipinto di calce bianca e dell'azzurro del mare: "Torno nella miseria, però non mi lamento. Mi basta di sapere che il pubblico è contento!"

Contentissimi. Grazie Miramare, per tutto quello che ci hai fatto vedere, vivere.... e sognare!

Il tuo pubblico.

( lug 2007)

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• Arena Alfieri - Catania (ct) - Via D. degli Abruzzi - 095 373760

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• Corsaro - Catania (ct) - via San Nicolò al Borgo, 49 - 095 502690

• Excelsior - Catania (ct) - via De Felice, 21 - 095 316699

• Golden - Catania (ct) - viale R. Lauria - 095 492949

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